Henri Rousseau

Henri Julien Félix Rousseau, detto il Doganiere fu un pittore francese di formazione autodidatta che deve molto della sua ispirazione ad alcune sue esperienze personali. Creò raffigurazioni vivide e lussureggianti della giungla, suo tema prediletto, senza essere mai uscito da Parigi, soltanto con i racconti e descrizioni che ascoltava. In vita, la sua opera fu criticata e denigrata, con immancabili battute sarcastiche e rifiuti della critica, considerato un semplice pittore "naif", privo di qualunque spessore artistico. Invece quella che sembrava la sua debolezza (ossia l'essere appunto "naif", ingenuo), si è invece rivelata la base della sua autentica originalità. Oggi Henri Rousseau è considerato il più personale e il più autentico dei naif della pittura moderna. Dopo la sua morte, il suo stile "primitivo", caratterizzato da colori vivaci, da un disegno volutamente piatto e dai soggetti fantasiosi, furono imitati dai pittori moderni europei. Proprio perché sprovveduto, "incolto" e privo di regole, verrà visto come un artista capace di superare con il proprio candore la tradizione, mostrando liberamente la sua interiorità al di là delle regole accademiche. Andiamo a conoscere la sua opera!

Henri Julien Félix Rousseau, conhecido como Oficial da Alfândega, foi um pintor francês autodidata que deve muito de sua inspiração a algumas de suas experiências pessoais. Criou representações vívidas e exuberantes da selva tropical, seu tema favorito, sem nunca ter saído de Paris, apenas com as histórias e descrições que ouvia. Em vida, a sua obra foi criticada e denegrida, com inevitáveis ​​piadas sarcásticas e recusas da crítica, considerado um simples pintor "naif", destituído de qualquer profundidade artística. Porém, o que parecia ser a sua fraqueza (ou seja, ser "naif", ingenuo), acabou por ser a base da sua autêntica originalidade. Hoje Henri Rousseau é considerado o mais pessoal e o mais autêntico dos naifs da pintura moderna. Após sua morte, seu estilo "primitivo", caracterizado por cores brilhantes, design deliberadamente plano e temas criativos, foi imitado pelos pintores europeus modernos. Justamente por ser ingênuo, "inculto" e desprovido de regras, será visto como um artista capaz de superar a tradição com sua própria franqueza, mostrando livremente sua interioridade para além das regras acadêmicas.  Vamos conhecer a sua obra!

L'enfant à la poupée (Bambina con bambola) (1904) - Museo dell'Orangerie, Parigi

La bambina che ci guarda dritto negli occhi appare come una figura inquietante e ipnotica. Non c'è niente di infantile nei suoi lineamenti. Il suo corpo sembra gigantesco e sproporzionato. Le gambe che curiosamente scompaiono nell'erba sono enormi rispetto alle braccia, in particolare il braccio destro che regge una popolare bambola di cartone. Il corpo è rappresentato "egiziano": parte superiore del corpo girata, ma gambe di profilo. La modellazione è praticamente inesistente e i pois bianchi che punteggiano il vestito rosso della bambina accentuano la piattezza del personaggio, che sembra letteralmente incollato allo sfondo. Il paesaggio è ridotto all'estremo: un cielo azzurro quasi uniforme e un prato costellato di fiori che ricordano gli arazzi medievali. Tuttavia, Rousseau crea un leggero effetto prospettico oscurando l'erba in lontananza e riducendo le dimensioni delle margherite.

L'enfant à la poupée (Menina com boneca) (1904) - Museu Orangerie, Paris

A criança que nos olha direto nos olhos aparece como uma figura perturbadora e hipnótica. Não há nada infantil em suas feições. Seu corpo parece gigantesco e desproporcional. As pernas que curiosamente desaparecem na grama são enormes em comparação com os braços, especialmente o braço direito que segura uma popular boneca de papelão. O corpo é representado "egípcio": parte superior do corpo voltada, mas pernas de perfil. A modelagem é praticamente inexistente e as bolinhas brancas que pontuam o vestido vermelho da menininha acentuam a planicidade da personagem, que parece estar literalmente colada ao fundo. A paisagem é reduzida ao extremo: um céu azul quase uniforme e um prado salpicado de flores que lembram as tapeçarias medievais. No entanto, Rousseau cria um leve efeito de perspectiva escurecendo a grama ao longe e reduzindo o tamanho das margaridas.

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Éclaireurs attaqués par un tigre (Esploratori attaccati da una tigre) (1904) - Barnes Foundation, Philadelphia

L'artista autodidatta Henri Rousseau ha creato le sue enormi scene nella giungla studiando le piante e gli animali impagliati nel museo di storia naturale di Parigi. Dipinte al culmine del periodo coloniale, tali opere erano apprezzate dal pubblico parigino per la loro rappresentazione teatrale, esotica e violenta dei territori lontani della Francia.

Éclaireurs attaqués par un tigre (Batedores atacados por um tigre) (1904) - Fundação Barnes, Filadélfia

O artista autodidata Henri Rousseau criou suas enormes cenas na selva estudando plantas e animais empalhados no museu de história natural de Paris. Pintadas no auge do período colonial, essas obras foram apreciadas pelo público parisiense por sua representação teatral, exótica e violenta dos distantes territórios da França.

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Mauvaise surprise (Brutta sorpresa) (1901) - Barnes Foundation, Philadelphia

Le moltissime scene della giungla di Henri Rousseau sono piene di violente lotte tra animali selvatici come leoni, tigri e cavalli. Qui, un cacciatore salva una bagnante nuda da un orso dagli artigli aguzzi. La figura della donna si alza in un gesto di calma resa, rivelando i palmi delle mani sporchi, mentre l'uomo spara alla bestia con la sua arma da fuoco. Il dipinto di Rousseau si legge all'inizio come una classica "damigella in pericolo". Eppure più si guarda da vicino, più strana diventa l'immagine e più difficile è decifrare la narrazione.

Mauvaise surprise (Surpresa desagradável) (1901) - Fundação Barnes, Filadélfia

As muitas cenas de selva de Henri Rousseau estão repletas de lutas violentas entre animais selvagens, como leões, tigres e cavalos. Aqui, um caçador resgata um banhista nu de um urso de garras afiadas. A figura da mulher se levanta em um gesto de calma rendição, revelando as palmas sujas de suas mãos, enquanto o homem atira na fera com sua arma de fogo. A pintura de Rousseau inicialmente é lida como uma clássica "donzela em perigo". No entanto, quanto mais de perto você olha, mais estranha a imagem se torna e mais difícil é decifrar a narrativa.

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Mazzo di fiori con ramo di edera (1901) - Museum of Modern Art, New York

Per Henri Rousseau, il tema della natura morta, in particolare dei fiori, offriva un piacevole diversivo da materie accademiche più ambiziose. La rigorosa vista frontale dei suoi dipinti floreali e il suo impiego di forme chiare e a tinta unita e di uno spazio ristretto e appiattito sono tutte caratteristiche dell'arte popolare o "primitiva". La superficie è liscia in modo uniforme, ma a volte è interrotta per consentire al fondo preparatorio bianco di trasparire come elemento strutturale.

Buquê de flores com ramo de hera (1901) - Museu de Arte Moderna de Nova York

Para Henri Rousseau, o tema da natureza morta, especialmente as flores, oferecia um agradável diversivo dos assuntos acadêmicos mais ambiciosos. A rigorosa visão frontal de suas pinturas florais e o uso de formas planas e tinta unida e um espaço estreito e achatado são características da arte popular ou "primitiva". A superfície é uniformemente lisa, mas às vezes é interrompida para permitir que o fundo preparatório branco apareça como elemento estrutural.

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Il passato e il presente o pensiero filosofico (1899) - The Barnes Foundation Philadelphia

Nel 1899, dopo 11 anni della morte della prima moglie Clémence, Rousseau si sposa con una vedova chiamata Josephine. Dipinge quindi un doppio ritratto in cui riconosciamo lui e la seconda moglie. Sopra di loro, tra le nuvole, possiamo vedere i volti del giovane Rousseau e della sua prima moglie Clémence. Nelle mani ancora un mazzo di nontiscordardimé. Il ramo di edera rappresenta amore e fedeltà eterni. Rousseau ha accompagnato il suo dipinto con il seguente testo: “Essere separati gli uni dagli altri / Di quelli che avevano amato / Entrambi si uniscono di nuovo / Rimanendo fedeli al loro pensiero”.

O passado e o presente ou pensamento filosófico (1899) - The Barnes Foundation Philadelphia

Em 1899, após 11 anos da morte de sua primeira esposa Clémence, Rousseau se casou com uma viúva chamada Josephine. Ele então pinta um retrato duplo no qual o reconhecemos juntamente com a sua segunda esposa. Acima deles, nas nuvens, podemos ver os rostos do jovem Rousseau e sua primeira esposa Clémence. Nas mãos ainda um buquê de miosótis "não se esqueça de mim". O ramo de hera representa amor e fidelidade eternos. Rousseau acompanhou sua pintura com o seguinte texto: “Separados um do outro / Daqueles que amaram / Ambos se unem novamente / Mantendo-se fiéis ao seu pensamento”.

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Ritratto della seconda moglie dell'artista (1900-03) - Museo Picasso, Parigi

Nel 1899 Rousseau si sposa per la seconda volta, con la vedova Joséphine Noury, e tra il 1900 e il 1903, anno successivo a quello della morte per cancro della donna, dipinge il suo autoritratto e poi il suo gemello con il busto della seconda moglie in posizione speculare; messe accanto le opere sembrano guardarsi a vicenda. La storia di questo dipinto non può essere sciolta dal suo pendant, tanto più che non sono mai stati separati. Il tratto severo e la pennellata ferma rivelano la sua sicurezza, la determinazione nel seguire il mestiere, l'orgoglio di vincere le durezze di una vita scarna, essenziale come il fondo del quadro, ma illuminata dal calore della fiamma dell'arte. Nel 1938 Picasso acquistò i due dipinti alla Galleria Rosenberg di Parigi.

Retrato da segunda esposa do artista (1900-03) - Museu Picasso, Paris

Em 1899 Rousseau casou-se pela segunda vez, com sua viúva Joséphine Noury, e entre 1900 e 1903, ano seguinte ao da morte dela por câncer, pintou seu auto-retrato e depois seu par com o busto de sua segunda esposa em posição especular: colocadas lado a lado as obras parecem se olhar. A história desta pintura não pode ser desvinculada de sua contraparte, especialmente porque nunca foram separadas. O traço severo e a pincelada firme revelam sua confiança, a determinação de seguir a profissão, o orgulho de superar as dificuldades de uma vida parca, tão essencial quanto o fundo da pintura, mas iluminada pelo calor da chama da arte. Em 1938, Picasso comprou as duas pinturas na Galeria Rosenberg, em Paris.

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Ritratto dell'artista con una lampada (1900-03) - Museo Picasso, Parigi

All'inizio del 900 Rousseau riprende il motivo dei ritratti e li ripropone rappresentando lui e la sua seconda moglie, rivolti l'uno verso l'altra di tre quarti, ciascuno accompagnato questa volta da una lampada a olio. Questi due dipinti facevano parte della collezione personale di Picasso, grande estimatore di Rousseau. Non si separò mai da questi due piccoli ritratti e uno dei biografi del maestro catalano confidò che quando Picasso terminava un dipinto, lo affiancava a questi due ritratti per vedere se il confronto reggeva.

Retrato do artista com uma lâmpada (1900-03) - Museu Picasso, Paris

No início do século XX, Rousseau retomou o motivo dos retratos e os repropôs, representando a si mesmo e sua segunda esposa, de frente um para o outro em posição de três quartos, cada um acompanhado desta vez por uma lamparina a óleo. Essas duas pinturas faziam parte do acervo pessoal de Picasso, grande admirador de Rousseau. Ele nunca se separou desses dois pequenos retratos e um dos biógrafos do mestre catalão confidenciou que quando Picasso terminava uma pintura, ele a colocava ao lado desses dois retratos para ver se a comparação se sustentava.

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Ritratto di donna con un mazzo di fiori (1900-03) - Galerie L'Effort Moderne, Parigi

Il Ritratto di donna con un mazzo di fiori è la controparte dell'Autoritratto con un mazzo di fiori al Brooklyn Museum di New York. È molto probabile che si tratti del ritratto di Clémence, la prima moglie dell'artista, da lui adorata ma morta troppo presto. Rousseau ha voluto rendere omaggio al suo amore defunto utilizzando il simbolismo dei fiori rappresentati in ciascuno dei due dipinti: le rose che significano amore e i nontiscordardimé "non dimenticarmi". Henri Rousseau compose anche un valzer che chiamò Clémence e che fu pubblicato dall'Accademia di Letteratura e Musica di Francia.

Retrato de mulher com um buquê de flores (1900-03) - Galerie L'Effort Moderne, Paris

O Retrato de mulher com um buquê de flores é a contrapartida do autorretrato com um buquê de flores no Brooklyn Museum em Nova York. É muito provável que seja o retrato de Clémence, a primeira esposa do artista, que ele adorava, mas morreu cedo demais. Rousseau quis homenagear o seu falecido amor usando o simbolismo das flores representadas em cada uma das duas pinturas: rosas que significam amor e miosótis "não se esqueça de mim". Rousseau também compôs uma valsa que chamou de Clémence e que foi publicada pela Academia de Literatura e Música da França.

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Autoritratto con un mazzo di fiori (1900-1903) - Brooklyn Museum, New York

Il 14 agosto 1869 Henri Rousseau, 25 anni, si sposa con Clémence Boitard, 19 anni. La coppia ha avuto 7 figli di cui solo una diventerà adulta. Dopo 18 anni di matrimonio, Clémence morì il 7 maggio 1888, prima del suo 38esimo compleanno. Ai 63 anni, riflettendo il suo passato, Rousseau scrisse una lettera il 19 dicembre 1907 in cui confidava di aver adorato la sua prima moglie, che purtroppo aveva la tubercolosi. Scrisse: "... mia povera moglie... ha lasciato questa terra... dopo vent'anni di pura sacra unione, ciascuno vivendo per l'altro... quei vent'anni furono la gioia della mia vita...” "Ero solo. Il grande vuoto; soprattutto i due occhi, che mi sono mancati tanto nella mia vita. Ah! Sarebbe stato meglio se anch'io fossi andato con lei». Per ricordare la moglie dipinse due ritratti (suo e della moglie) con vaso di fiori dove si vedono colori scuri e tristi. Oggi vediamo l'autoritratto.

Auto-retrato com um buquê de flores (1900-1903) - Brooklyn Museum, Nova York

Em 14 de agosto de 1869, Henri Rousseau, 25 anos, casou-se com Clémence Boitard, de 19. O casal teve 7 filhos, dos quais apenas uma se tornará adulta. Após 18 anos de casamento, Clémence morreu em 7 de maio de 1888, antes de completar 38 anos. Aos 63 anos, refletindo sobre seu passado, Rousseau escreveu uma carta em 19 de dezembro de 1907 na qual confidenciou que adorava sua primeira esposa, que infelizmente tinha tuberculose. Ele escreveu: "... minha pobre esposa... ela deixou esta terra... depois de vinte anos de pura união sagrada, cada um vivendo para o outro... aqueles vinte anos foram a alegria da minha vida..." "Eu estava sozinho. O grande vazio; especialmente os dois olhos, dos quais senti tanta falta na minha vida. Ah! Teria sido melhor se eu tivesse ido com ela também." Para recordar a esposa pintou dois retratos (seu e da esposa) com um vaso de flores em que se vêem cores escuras e tristes. Hoje veremos o auto-retrato.

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Nave nella tempesta (1899) Musée de l'Orangerie, Parigi

Si tratta dell'unica opera pittorica di Rousseau dove è rappresentato il mare aperto: nonostante l'artista sostenesse di aver preso parte all'intervento francese in Messico, sembra che egli non abbia mai viaggiato via nave. Come si può facilmente notare, il veliero, un due alberi, batte bandiera francese. La barca sembra essere una fusione di vari design. Ha oblò come un transatlantico e una prua a sperone come una corazzata. Questo amalgama si trova nelle barchette giocattolo dell'epoca. Rousseau ha potuto vederne alcuni o trarre ispirazione da una pubblicità. Comunque, il pittore si ispirò alle arti popolari. In un testo pubblicato sulla rivista italiana La Voce edita da Soffici, Rousseau racconta il suo fascino per "la pittura di uomini semplici": insegne, ex voto, addobbi di bancarelle.

Navio na Tempestade (1899) Musée de l'Orangerie, Paris

É a única obra pictórica de Rousseau onde é representado o mar aberto: embora o artista afirme ter participado da intervenção francesa no México, parece que jamais viajou de navio. Como se pode ver facilmente, o veleiro de dois mastros, bate bandeira francesa. O barco parece ser uma fusão de vários designs. Tem escotilhas como um transatlântico e uma proa como um navio de guerra. Este amálgama é encontrado nos barquinhos de brinquedo da época. Rousseau pôde ver alguns deles ou se inspirar em um anúncio publicitário. No entanto, o pintor se inspirou nas artes populares. Em um texto publicado na revista italiana La Voce publicado pela Soffici, Rousseau descreve seu fascínio pela "pintura de gente simples": letreiros, ex-votos, enfeites para barracas.

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Torre Eiffel (1898) - The Museum of Fine Arts, Houston

I soggetti di questa opera sono la Senna in primo piano e la Torre Eiffel nella parte posteriore. Tra la Torre Eiffel e la Senna si trova un ponte e dietro di esso ci sono alcuni edifici di Parigi. Lo sfondo presenta un cielo nuvoloso bianco con una punta di arancione per segnalare un'alba o un tramonto. A sinistra e a destra ci sono alcuni alberi, edifici e persone che pescano nella Senna. Ci sono, tuttavia, alcune imprecisioni dallo scenario attuale della Torre Eiffel. Ad esempio, il dipinto non raffigura la piramide e la forma esponenziale della Torre Eiffel. Anche la base della torre Eiffel sembra essere nascosta dagli edifici.

Torre Eiffel (1898) - Museu de Belas Artes de Houston

Os temas desta obra são o rio Sena em primeiro plano e a Torre Eiffel ao fundo. Entre a Torre Eiffel e o Sena há uma ponte e atrás dela alguns prédios de Paris. O fundo apresenta um céu nublado branco com um toque de laranja para sinalizar um nascer ou pôr do sol. À esquerda e à direita estão algumas árvores, prédios e pessoas pescando no Sena. Existem, no entanto, algumas imprecisões na forma real da Torre Eiffel. Por exemplo, a pintura não retrata a pirâmide e a sua forma tipica. A base da torre também parece estar escondida pelos edifícios.

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Zingara addormentata (1897) - Museum of Modern Art, New York

Per realizzare il dipinto Rousseau trovò ispirazione nello zoo e nel Giardino botanico di Parigi dove si recava per studiare dal vivo piante e animali. Viene raffigurata la figura di una zingara dalla pelle scurissima, vestita con un abito lungo e colorato, che dorme serena in una terra desertica impugnando un bastone. Accanto a lei si trovano il suo strumento musicale, il mandolino, e un vaso di terracotta, mentre dietro la sua figura si scorge un leone che sembra stia vegliando su di lei. La scena è immersa nella luce misteriosa di una luna piena. È un'opera difficile da interpretare specialmente per l'associazione tra il leone e la zingara. Per alcuni la zingara riesce ad ammaliare il leone con i suoi poteri magici; per altri invece la zingara rappresenta l'artista.

Cigana adormecida (1897) - Museu de Arte Moderna, Nova York

Para realizar a pintura, Rousseau se inspirou no zoológico e no jardim botânico de Paris, onde ia estudar plantas e animais vivos. É retratada a figura de uma cigana de pele muito escura, vestida com um vestido longo e colorido, que dorme pacificamente em uma terra desértica segurando uma bengala. Ao lado dela estão seu instrumento musical, o bandolim, e um vaso de terracota, enquanto atrás de sua figura vemos um leão que parece zelar por ela. A cena é banhada pela misteriosa luz de uma lua cheia. É uma obra difícil de interpretar especialmente devido à associação entre o leão e a cigana. Para alguns, a cigana consegue encantar o leão com seus poderes mágicos; para outros, a cigana representa o artista.

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L'enfant aux rochers (Bambino sulle rocce) (1897) - National Gallery of Art, Washington

Motivo della fantasia o della realtà, i bambini dipinti di Rousseau hanno un'aura di mistero indecifrabile; severi negli sguardi, sgraziati nei corpi come nani che la natura ha condannato a vivere la razionalità dell'adulto in una dimensione fisica da bambino. E come ibridi tra il grande e il piccolo li presenta Rousseau...rispecchiando anche una condizione psicologica che era tutta sua: quella di un vecchio-fanciullo, con la consapevolezza che l'ingenuità pittorica fosse un rispecchiamento di esperienze della vita, sedimentate in un inconscio loquace solo attraverso pennello e tela, e di una percezione della forma vergine e incorrotta al pari della visione infantile. Il dipinto è un ritratto ottenuto da una fotografia del solo viso del modello, forse un bambino defunto, come suggerisce il vestito nero: Rousseau ha iniziato qui l'impostazione della tela, adattando allo spazio rimanente il resto della composizione non più coerente con la dimensione della testa.

L'enfant aux rochers (Menino sobre rochedos) (1890) - National Gallery of Art, Washington

Motivo de fantasia ou realidade, as crianças pintadas de Rousseau têm uma aura de mistério indecifrável; severos na aparência, desajeitados em corpos como anões que a natureza condenou a viver a racionalidade do adulto na dimensão física de uma criança. E como híbridos entre o grande e o pequeno, Rousseau os apresenta... espelhando também uma condição psicológica que era toda sua: a de um velho-criança, com a consciência de que a ingenuidade pictórica era um reflexo das experiências de sua vida, sedimentadas em um inconsciente loquaz apenas através do pincel e da tela, e uma percepção da forma virgem e incorrupta como a visão infantil. A pintura é um retrato obtido a partir de uma fotografia somente do rosto do modelo, talvez uma criança falecida, como sugere o vestido preto: Rousseau começou aqui a configuração da tela, adaptando o resto da composição ao espaço restante, não mais consistente com o tamanho da cabeça.

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Ritratto de Léon-Paul Fargue (1896) - Detroit Institute of Arts

Poeta e saggista francese noto per alcune famose opere letterarie che al momento del dipinto, aveva circa 20 anni. Ha una faccia un po' tozza con baffi folti e un pizzetto che si estende oltre il mento e i capelli ben curati. Dall'aspetto del ritratto, si può immediatamente dire che il gentiluomo è un membro di una famiglia benestante o un lavoratore ben pagato. Lo stile è primitivista e fornisce un'idealizzazione estetica che aspira a creare un'esperienza realistica e naturale, mostrando che la gente comune era più civile di quanto non lo fossero i nobili della società. Tuttavia, Henri ha preso in prestito pesantemente dal post-impressionismo. Questa era una forma d'arte in cui il pittore si sforzava di utilizzare colori e luce realistici per rappresentare oggetti simili alla vita reale, anche se era libero di modificare alcuni colori e elementi dell'immagine per creare l'effetto desiderato.

Retrato de Léon-Paul Fargue (1896) - Detroit Institute of Arts

Poeta e ensaísta francês conhecido por algumas obras literárias famosas que na época da pintura tinha cerca de 20 anos. Tem um rosto um pouco achatado com um bigode grosso e um cavanhaque que se estende além do queixo e o cabelo bem penteado. Pela aparência do retrato, pode-se dizer imediatamente que o cavalheiro é membro de uma família rica ou um trabalhador bem pago. O estilo é primitivista e proporciona uma idealização estética que aspira a criar uma experiência realista e natural, mostrando que as pessoas comuns eram mais civis do que os nobres da sociedade. No entanto, Henri emprestou muito do pós-impressionismo. Esta era uma forma de arte em que o pintor se esforçava para usar cores e luzes realistas para representar objetos semelhantes à vida real, embora ele era livre para modificar certas cores e elementos da imagem para criar o efeito desejado.

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Le Moulin d'Alfort (1895) Pola Museum of Art, Hakone, Giappone

Si vede una fattoria vicino alle rive di un fiume. Gli edifici sono circondati da una fitta vegetazione e un canale scorre dal fiume alla fattoria. Ci sono anche barche sul fiume e due edifici galleggianti. Gli edifici e il fiume sono posti al centro del dipinto e la vegetazione occupa la parte più ampia. Si può anche vedere la scritta "MOULIN D'ALFORT" sul muro di uno degli edifici. L'unico segno di vita è una persona su una barca, ma la sua immagine non è chiara. Poiché Rousseau era un autodidatta, la sua arte non rientrava in nessuna categoria, ed era considerata quindi primitiva. Inoltre, le sue opere mancavano di proporzioni corrette e amava usare colori nitidi e innaturali. Tutte queste caratteristiche hanno dato al suo lavoro un senso di eccentricità e mistero. Rousseau aveva un approccio individualizzato alla pittura, che prevedeva un'attenta miscelazione delle pennellate per produrre una superficie liscia. Le pennellate controllate facevano apparire delineati anche gli oggetti. Il suo lavoro è paragonabile al Surrealismo per la sua forte dipendenza dalla postura rigida e dalla prospettiva appiattita.

Le Moulin d'Alfort (1895) Museu de Arte Pola, Hakone, Japão

Um moinho é visto perto das margens de um rio. As construções são cercadas por vegetação densa e um canal vai do rio até o moinho. Há também barcos no rio e duas estruturas flutuantes. Os edifícios e o rio são colocados no centro da pintura e a vegetação ocupa a maior parte. É visível a inscrição "MOULIN D'ALFORT" na parede de um dos edifícios. O único sinal de vida é uma pessoa em um barco, mas sua imagem não é clara. Como Rousseau era autodidata, sua arte não se enquadrava em nenhuma categoria e, portanto, era considerada primitiva. Além disso, suas obras careciam de proporções corretas e ele adorava usar cores nítidas e inaturais. Todas essas características deram ao seu trabalho uma sensação de excentricidade e mistério. Rousseau tinha uma abordagem individualizada à pintura, que envolvia uma cuidadosa mistura de pinceladas para produzir uma superfície lisa. As pinceladas controladas também faziam os objetos aparecerem contornados. Seu trabalho é comparável ao surrealismo por sua forte dependência de postura rígida e perspectiva achatada.

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Portrait de femme (Ritratto di donna) (1895) - Musée National Picasso, Parigi

Chi è la donna? Il suo atteggiamento non dice molto ma indica una derivazione dalle foto-ritratto che si scattavano in pose convenzionali, da seduti o in piedi, con lo sguardo rivolto altrove. Il ramo rovesciato che solo in apparenza funge da appoggio, il fiore tenuto tra l'indice e il medio della mano destra e lo sfondo roccioso rappresentano le fortificazioni parigine. Il mistero aleggia intorno alla figura. La modella potrebbe essere l'amante polacca di Rousseau, Yadwigha, musa ispiratrice per "Il sogno". Il dipinto fu la prima opera di Rousseau che Picasso possedette e fu l'icona per la quale venne organizzato dal pittore spagnolo un famoso banchetto dove l'arrivo del Doganiere (ospite d'onore), fece correre un fremito di emozione tra gli invitati: quando si guardò attorno, i lampioncini cinesi con la loro luce fioca lo affascinarono e il suo vecchio volto si ruppe in un sorriso.

Portrait de femme (Retrato de mulher) (1895) - Musée National Picasso, Paris

Quem é a mulher? A sua atitude não diz muito, mas indica uma derivação dos retratos que eram feitos em poses convencionais, sentados ou em pé, com o olhar direcionada para outro lugar. O galho invertido que apenas aparentemente serve de suporte, a flor entre os dedos indicador e médio da mão direita e o fundo rochoso representam as fortificações parisienses. O mistério paira em torno da figura. A modelo poderia ser a amante polonesa de Rousseau, Yadwigha, a musa inspiradora de "O Sonho". A pintura foi a primeira obra de Rousseau que Picasso possuiu e foi o ícone para o qual um famoso banquete foi organizado pelo pintor espanhol, onde a chegada do "Douanier" (convidado de honra), fez com que uma emoção corresse entre os convidados: quando olhou em volta, as lanternas chinesas com sua luz fraca o fascinaram e seu velho rosto abriu-se em um sorriso.

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La guerra (1894) - Musée d’Orsay, Parigi

Un cavallo nero, selvaggio e col pelo irto, porta su di sé una donna armata, brutta e selvaggia: ciò significa che la guerra porta primitività. Il cavallo rappresenta la forza bruta della guerra. Nella parte inferiore del dipinto sono rappresentati gli effetti della guerra, con cadaveri umani e corvi che se ne cibano. Gli alberi spogli ed i rami spezzati creano un panorama di desolazione ed alludono alla morte anche se l'uso del colore rosa per le nuvole e l'azzurro sgargiante del cielo non ci permettono di percepire la drammaticità dell'evento. La composizione è piramidale; alla base ci sono i cadaveri, mentre la donna è sul vertice.

A guerra (1894) - Musée d'Orsay, Paris

Um cavalo preto, selvagem e de pelos eriçados, carrega na garupa uma mulher armada, feia e selvagem: isso significa que a guerra traz primitivismo. O cavalo representa a força bruta da guerra. Na parte inferior da pintura estão representados os efeitos da guerra, com cadáveres humanos e corvos se alimentando dela. As árvores nuas e os galhos quebrados criam um panorama de desolação e aludem à morte mesmo que o uso do rosa para as nuvens e o azul brilhante do céu não nos permitam perceber o drama do acontecimento. A composição é piramidal; na base estão os cadáveres, enquanto a mulher está no topo.

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Gli Artiglieri (1893–95) - Solomon R. Guggenheim Museum, New York

È stata l'amicizia di Rousseau con diversi maestri affermati a garantire il suo posto nella storia dell'arte moderna. Durante la sua vita il Doganiere divenne una sorta di sensazione all'interno della scena artistica parigina relativamente piccola e le sue opere erano celebrate da artisti come Pablo Picasso e Vasily Kandinsky. Nella misura in cui ha avuto un limitato successo ufficiale durante la sua vita, si può dire che Rousseau abbia inventato se stesso - faceva irruzione non invitato a mostre e cene, assumendo la postura di un ospite d'onore - proprio come ha inventato immagini diverse da qualsiasi cosa fosse intorno a lui. Tele come Gli Artiglieri sono state interpretate come bizzarri tentativi di Rousseau di rappresentare i tempi moderni. È merito suo che non abbiamo ancora parole adeguate per descrivere un dipinto in cui 14 identici baffi a manubrio riescono a fornire un'immagine vivace di una batteria di artiglieria.

Os Artilheiros (1893-95) - Solomon R. Guggenheim Museum, Nova York

Foi a amizade de Rousseau com diversos mestres consagrados que garantiu seu lugar na história da arte moderna. Durante sua vida, o Oficial da alfândega tornou-se uma sensação no cenário artístico parisiense relativamente pequeno e suas obras foram celebradas por artistas como Pablo Picasso e Vasily Kandinsky. Na medida em que teve um limitado sucesso oficial ao longo da sua vida, pode-se dizer que Rousseau se inventou - frequentava sem ser convidado exposições e jantares, assumindo a postura de convidado de honra - assim como criava imagens diferentes de tudo que estava ao seu redor. Telas como Os Artilheiros foram interpretadas como tentativas bizarras de Rousseau de representar os tempos modernos. É graças a ele que ainda não temos palavras adequadas para descrever uma pintura em que 14 bigodes idênticos conseguem fornecer uma imagem viva de um grupo de artilharia.

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La Carmagnole (Le Centenaire de l'Indépendance) (1892) - Getty Museum, Los Angeles

Rousseau festeggia cosi il centesimo anniversario della proclamazione della prima Repubblica francese nel 1792. I contadini ballano la Farandola, una danza popolare della Francia meridionale mentre cantano la Carmagnola, un canto di autore anonimo composto nel 1792 cui testo irride Luigi XVI e Maria Antonietta. Attorno a tre alberi della libertà (Liberté, Égalité, Fraternité) due figure femminili con bandiere rappresentano la Prima e la Terza Repubblica. Rousseau copiò i ballerini da un'illustrazione di una rivista francese ma aggiunse striscioni sventolanti, i pali della libertà e le figure allegoriche. Un carro sullo sfondo è pieno di musicisti in costume, che ricordano le sfilate che l'artista aveva visto. Ha usato colori brillanti e forme solide per esprimere la felicità della scena che simboleggia il buon governo. A destra, la postura eretta dei dignitosi capi repubblicani segnala la solidità della Repubblica francese.

La Carmagnole (O Centenário da Independência) (1892) - Museu Getty, Los Angeles

Rousseau celebra assim o 100º aniversário da proclamação da 1º República Francesa em 1792. Os camponeses dançam a Farandola, uma dança folclórica do sul da França enquanto cantam a Carmagnola, canção de um autor anônimo composta em 1792 cujo texto zomba de Luís XVI e Maria Antonieta. Em torno de três árvores da liberdade (Liberté, Égalité, Fraternité), duas figuras femininas com bandeiras representam a 1º e a 3º República. Rousseau copiou os dançarinos de uma ilustração de uma revista francesa, mas acrescentou faixas ondulantes, mastros da liberdade e figuras alegóricas. Uma carroça ao fundo está cheia de músicos fantasiados, uma reminiscência dos desfiles que o artista havia visto. Ele usou cores vivas e formas sólidas para expressar a felicidade da cena, que simboliza a boa governança. À direita, a postura ereta dos dignos líderes republicanos sinaliza a solidez da República Francesa.

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Sorpresa! (1891) - National Gallery, Londra

È il primo dipinto a soggetto esotico che rese popolare il Doganiere. La scena mostra una tigre che, durante una tempesta tropicale nella giungla, sta per balzare addosso a una preda. Non è dato sapere cosa fissi la tigre e su cosa sembra essa stia per balzare. L'intento del pittore è mostrare il pericoloso animale indomito, in un inquietante ambiente naturale. L'intera superficie del dipinto è solcata da striscioline di vernice semitrasparente grigio-bianca, che rappresentano la pioggia mentre i fulmini solcano il cielo. Rousseau si ispirò ad animali imbalsamati nei musei, a stampe, a illustrazioni scientifiche, e a visite nei giardini botanici. Per la tigre utilizzò come modello la riproduzione di un disegno a pastello di Eugène Delacroix e un gatto domestico. Le piante della giungla furono realizzate prendendo come spunto esemplari visti in vaso.

Surpresa! (1891) - National Gallery, Londres

É a primeira pintura com tema exótico que popularizou o Despachante Aduaneiro. A cena mostra um tigre que, durante uma tempestade tropical na selva, está prestes a atacar uma presa. Não se sabe o que o tigre está olhando e sobre o que parece que está prestes a saltar. A intenção do pintor é mostrar o perigoso animal selvagem, em um ambiente natural perturbador. Toda a superfície da pintura é sulcada com riscos de tinta branco-acinzentada semitransparente representando a chuva enquanto os raios atravessam o céu. Rousseau se inspirou em bichos empalhados em museus, gravuras, ilustrações científicas e visitas a jardins botânicos. Para o tigre, ele usou como modelo a reprodução de um desenho a pastel de Eugène Delacroix e um gato doméstico. As plantas da selva foram criadas usando como ponto de partida espécimes vistos em vasos.

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Ritratto di Monsieur X (Pierre Loti) (1910) - Kunsthaus, Zurigo

Questo olio su tela è un ritratto dello scrittore Pierre Loti, in posa con un gatto. Henri Rousseau presentò quest'opera al Salon des Indépendants del 1906, con il titolo "Ritratto di Monsieur F". Però originariamente questo ritratto era stato commissionato dallo scrittore e giornalista Edmond Franck, che in seguito lo distrusse. Il pittore ne aveva fatto una copia che verrà poi considerata, erroneamente, il ritratto di Pierre Loti, romanziere e ufficiale della marina francese. In una lettera al direttore della galleria Charpentier, del 20 agosto 1952, Edmond Franck, afferma di essere stato il modello del dipinto: "Ma posso assicurarti che quest'opera 1°: non è mai stata il ritratto di Pierre Loti; 2°: che è il mio stesso ritratto eseguito dal Douanier Rousseau a casa mia".

Retrato de Monsieur X (Pierre Loti) (1910) - Kunsthaus, Zurique

Este óleo sobre tela é um retrato do escritor Pierre Loti, posando com um gato. Henri Rousseau apresentou este trabalho no Salon des Indépendants de 1906, com o título "Retrato de Monsieur F". No entanto, este retrato tinha sido originalmente encomendado pelo escritor e jornalista Edmond Franck, que mais tarde o destruiu. O pintor havia feito uma cópia que mais tarde será considerada, erroneamente, o retrato de Pierre Loti, romancista e oficial da marinha francesa. Em uma carta ao diretor da galeria Charpentier, datada de 20 de agosto de 1952, Edmond Franck afirma ter sido o modelo da pintura: “Mas posso assegurar-vos que esta obra 1ª: nunca foi o retrato de Pierre Loti; 2ª: que é o meu próprio retrato pintado por Douanier Rousseau em minha casa".

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L'Octroi (Il Casello Daziario) (1890) - The Courtauld Institute and Art Gallery, London

In questo paesaggio si nota un tentativo ben riuscito nella prospettiva e soprattutto la ricchezza dei colori utilizzati dall'artista, che servono a esaltare la luminosità. La struttura della composizione - prospettiva e forme - è realizzata utilizzando esclusivamente il colore, forte nei primi piani e decrescente sullo sfondo. La domanda che resta nell'aria: sarebbe questa l'entrata degli uffici doganali dove lavorava Rousseau?

L'Octroi (A cabine de pedágio) (1890) - The Courtauld Institute and Art Gallery, Londres

Nota-se nesta paisagem uma tentativa bem-sucedida na perspectiva e sobretudo na riqueza das cores utilizadas pelo artista, que servem para realçar a luminosidade. A estrutura da composição - perspectiva e formas - é criada usando apenas cores, fortes nos primeiros planos e decrescentes no fundo. A questão que fica no ar: seria esta a entrada da alfândega onde trabalhava Rousseau?

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Io, ritratto-paesaggio (1890) - Národní galerie, Praga

Si tratta di un autoritratto dove l'autore si pone in primo piano a figura intera, con lo sfondo del lungosenna che sintetizza la modernità di Parigi alla fine del XIX secolo: a sinistra si nota appena la Tour Eiffel, l'elemento centrale è un ponte di metallo ed in cielo c'è una mongolfiera. La caratteristica violazione da prospettiva e delle proporzioni, i colori naturali, mettono in risalto il soggetto autoritratto, elegantemente vestito di nero mentre cammina tenendo in mano i simboli della sua arte: il pennello e la tavolozza.

Eu, retrato-paisagem (1890) - Národní galerie, Praga

É um auto-retrato onde o autor se coloca em primeiro plano em figura plena, com ao fundo o rio Sena que sintetiza a modernidade de Paris no final do século XIX: à esquerda mal se nota a Torre Eiffel, o elemento central é uma ponte metálica e no céu voa um balão de ar quente. A característica violação da perspectiva e das proporções; as cores naturais, destacam o sujeito auto-retratado, vestido elegantemente de preto enquanto caminha segurando os símbolos de sua arte: o pincel e a paleta.

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Veduta di Billancourt e Bas Meudon, effetto nebbia (1890) - collezione privata

I primi paesaggi di Rousseau erano campestri e rurali, con un'atmosfera atemporale, che rappresentavano luoghi che lui conosceva bene, come le rive dell'Oise o della Senna, come in questa Veduta di Billancourt e Bas Meudon, effetto nebbia. Con il passare del tempo, i suoi motivi diventano più urbani e includono dettagli relativi al progresso tecnico del suo tempo: dirigibili, pali del telegrafo, ponti metallici e la Torre Eiffel. Questi paesaggi, tuttavia, rimangono in un tono ingenuo. Rousseau, infatti, non mostra alcuna nozione di conoscenza della prospettiva.

Vista de Billancourt e Bas Meudon, efeito de névoa (1890) - coleção particular

As primeiras paisagens de Rousseau eram campestres e rurais, com uma atmosfera atemporal, representando lugares que ele conhecia bem, como as margens dos rios Oise ou o Sena, como nesta Vista de Billancourt e Bas Meudon, efeito de nevoeiro. Com o passar do tempo, seus motivos se tornam mais urbanos e incluem detalhes relativos ao progresso técnico de sua época: aeronaves, postes telegráficos, pontes metálicas e a Torre Eiffel. Essas paisagens, no entanto, permanecem em um tom ingênuo. Na verdade, Rousseau não mostra nenhuma noção de conhecimento da perspectiva.

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Al margine della foresta (1886) - Kunsthaus Zürich, Zurigo

Uno dei primi dipinti in cui Rousseau dipinse la figura e il paesaggio forestale allo stesso modo e in modo unitario, creando così uno stato d'animo caratteristico della sua arte, influenzata dal Surrealismo. Una donna con un abito di velluto rosso alla moda si trova ai bordi di una foresta. Ma quanto è imprudente? Porta il ​​parasole, ma dov'è il cappello? E i guanti? Quanto si sarà avventurata lontano da casa per arrivare a questo sentiero nel bosco? Dovrebbe sapere che i dipinti molto strani di Rousseau sono pieni di bestie selvagge. Una tigre potrebbe incrociare il suo sentiero in qualsiasi momento. Forse il gesto - la mano alzata, lo sguardo all'indietro - segnala che, tutto d'un tratto, si ha reso conto dalla sua folle idea e inizia a immaginare vividamente la calamità che segnerebbe una spiacevole conclusione all'incantevole passeggiata tra gli alberi.

Na beirada da floresta (1886) - Kunsthaus Zürich, Zurique

Uma das primeiras pinturas em que Rousseau pintou a figura e a paisagem da floresta de forma igual e unificada, criando assim um clima característico de sua arte, influenciada pelo surrealismo. Uma mulher com um vestido de veludo vermelho da moda está à beira de uma floresta. Mas quão imprudente ela é? Leva um guarda-sol, mas onde está o chapéu? E as luvas? A que distância de casa ela está para ter chegado a essa trilha na floresta? Ele deveria saber que as pinturas muito estranhas de Rousseau estão cheias de feras. Um tigre poderia cruzar o seu caminho a qualquer momento. Talvez o gesto - a mão levantada, o olhar para trás - sinaliza que, de repente, ela percebeu a sua ideia maluca e começa a imaginar vividamente a calamidade que marcaria uma conclusão desagradável para um passeio encantador entre as árvores.

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Sera di Carnevale (1886) - Philadelphia Museum of Art

Un'aria di mistero pervade questo paesaggio forestale invernale. Vestita con festosi costumi di carnevale, una coppia solitaria si trova di fronte a alberi spogli. Le figure sembrano risplendere dall'interno piuttosto che dalla luce della luna, che stranamente ha lasciato la foresta nell'oscurità. Un volto inspiegabile sorge dalla capanna vuota accanto alle figure, mentre un lampione inaspettato si accende incongruamente li vicino. Conosciuto per le sue scene fantastiche, Rousseau era un artista autodidatta le cui opere piacevano ai collezionisti e agli artisti d'avanguardia del primo Novecento, tra cui Pablo Picasso.

Noite de Carnaval (1886) - Museu de Arte da Filadélfia

Um ar de mistério permeia esta paisagem florestal de inverno. Vestidos com fantasias de carnaval, um casal solitário está diante de árvores sem folhas. As figuras parecem brilhar de dentro em vez da luz da lua, que estranhamente deixou a floresta na escuridão. Um rosto inexplicável surge da cabana vazia ao lado das figuras, enquanto um poste de luz inesperado se acende incongruentemente nas proximidades. Conhecido por suas cenas fantásticas, Rousseau foi um artista autodidata cujas obras eram apreciadas por colecionadores e artistas de vanguarda do início do século XX, incluindo Pablo Picasso.

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Paysage d'Alger (1880) - Collezione privata

Henri Rousseau, nato il 21 maggio 1844, non ha mai dimostrato particolare passione per gli studi, così a sedici anni abbandonò il liceo. Nel 1863 venne assunto come segretario da una avvocato a cui rubò dieci franchi e alcuni francobolli. In seguito a questo avvenimento i genitori, indignati e umiliati dal figlio, lo obbligarono ad arruolarsi come volontario nell’esercito. Nel 1871 iniziò a lavorare come esattore delle tasse nel dipartimento delle finanze del comune di Parigi, dove maturò il suo desiderio di diventare pittore. Questo è il motivo del suo soprannome: il "Doganiere". Le sue prime opere sono totalmente autodidattiche, come questo Paysage d'Alger, dove rappresenta una scena in Algeria con dromedari e beduini, basandosi soltanto a racconti ascoltati da amici e compagni militari.

Paysage d'Alger (1880) - Coleção particular

Henri Rousseau, nascido em 21 de maio de 1844, nunca demonstrou um particular interesse pelos estudos, tanto que abandonou o ensino médio aos dezesseis anos. Em 1863 foi contratado como secretário de um advogado a quem roubou dez francos e alguns selos postais. Após este acontecimento, os pais, indignados e humilhados pelo filho, obrigaram-no a alistar-se como voluntário no exército. Em 1871 se empregou como coletor de impostos na repartição de finanças do municipio de Paris, onde amadureceu seu desejo de se tornar pintor. Este é o motivo do seu apelido: o "Oficial da Alfândega". Seus primeiros trabalhos são totalmente autodidatas, como este Paysage d'Alger, onde retrata uma cena na Argélia com dromedários e beduínos, baseada apenas em histórias ouvidas de amigos e camaradas militares.

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