Henri Rousseau

Henri Julien Félix Rousseau, detto il Doganiere fu un pittore francese di formazione autodidatta che deve molto della sua ispirazione ad alcune sue esperienze personali. Creò raffigurazioni vivide e lussureggianti della giungla, suo tema prediletto, senza essere mai uscito da Parigi, soltanto con i racconti e descrizioni che ascoltava. In vita, la sua opera fu criticata e denigrata, con immancabili battute sarcastiche e rifiuti della critica, considerato un semplice pittore "naif", privo di qualunque spessore artistico. Invece quella che sembrava la sua debolezza (ossia l'essere appunto "naif", ingenuo), si è invece rivelata la base della sua autentica originalità. Oggi Henri Rousseau è considerato il più personale e il più autentico dei naif della pittura moderna. Dopo la sua morte, il suo stile "primitivo", caratterizzato da colori vivaci, da un disegno volutamente piatto e dai soggetti fantasiosi, furono imitati dai pittori moderni europei. Proprio perché sprovveduto, "incolto" e privo di regole, verrà visto come un artista capace di superare con il proprio candore la tradizione, mostrando liberamente la sua interiorità al di là delle regole accademiche. Andiamo a conoscere la sua opera!

Henri Julien Félix Rousseau, conhecido como Oficial da Alfândega, foi um pintor francês autodidata que deve muito de sua inspiração a algumas de suas experiências pessoais. Criou representações vívidas e exuberantes da selva tropical, seu tema favorito, sem nunca ter saído de Paris, apenas com as histórias e descrições que ouvia. Em vida, a sua obra foi criticada e denegrida, com inevitáveis ​​piadas sarcásticas e recusas da crítica, considerado um simples pintor "naif", destituído de qualquer profundidade artística. Porém, o que parecia ser a sua fraqueza (ou seja, ser "naif", ingenuo), acabou por ser a base da sua autêntica originalidade. Hoje Henri Rousseau é considerado o mais pessoal e o mais autêntico dos naifs da pintura moderna. Após sua morte, seu estilo "primitivo", caracterizado por cores brilhantes, design deliberadamente plano e temas criativos, foi imitado pelos pintores europeus modernos. Justamente por ser ingênuo, "inculto" e desprovido de regras, será visto como um artista capaz de superar a tradição com sua própria franqueza, mostrando livremente sua interioridade para além das regras acadêmicas.  Vamos conhecer a sua obra!

Il sogno (1910) - Museum of Modern Art, New York

"La donna addormentata sul divano sta sognando di essere stata trasportata nella foresta, ascoltando i suoni dello strumento dell'incantatore", scrisse Rousseau di questo dipinto enigmatico, cercando di spiegare l'inserimento di un musicista e di un nudo femminile sdraiato in una giungla illuminata dalla luna piena di fogliame esotico e fauna selvatica. La giovane donna nuda è Yadwigha, un'amica (amante?) polacca del pittore. La attorniano vari animali - un grosso serpente arancione, alcuni uccelli, un elefante, una coppia di leoni (maschio e femmina) e un gruppo di scimmie - tutti affascinati dall'ascolto della melodia eseguita da un pifferaio indigeno; ma né essi né la giungla esistono, se non nel sogno di Yadwigha. Senz'ombra di dubbio è il dipinto più rappresentativo del Doganiere, quello che esprime ai massimi livelli tutto il suo percorso pittorico e che raccoglie tutte le conquiste "tecniche" faticosamente raggiunte. La giungla non è più un sipario, si apre sul cielo turchese e la vegetazione suggerisce una maggiore profondità: i fiori, sono simili a quelli di loto affrescati dagli antichi egizi; i frutti sono ben modellati e sembra che la luna li tinga di argento insieme alle grandi foglie.
E cosi finiamo la presentazione delle opere di Rousseau. Ti è piaciuta? Lascia un commento in fondo alla pagina. Domani iniziamo un nuovo artista! Grazie!!!!

O sonho (1910) - Museu de Arte Moderna, Nova York

"A mulher adormecida no sofá está sonhando que foi transportada para a floresta, ouvindo os sons do instrumento do feiticeiro", escreveu Rousseau sobre esta enigmática pintura, tentando explicar a inserção de um músico e um nu feminino deitado em um selva iluminada pela lua cheia de folhagens exóticas e vida selvagem. A jovem nua é Yadwigha, uma amiga polonesa (amante?) do pintor. Vários animais a rodeiam - uma grande cobra laranja, alguns pássaros, um elefante, um par de leões (macho e fêmea) e um grupo de macacos - todos fascinados por ouvir a melodia executada por um flautista indígena; mas nem eles nem a selva existem, exceto no sonho de Yadwigha. Sem sombra de dúvida é a pintura mais representativa de Rousseau, aquela que expressa toda a sua carreira pictórica ao mais alto nível e que recolhe todas as suas conquistas "técnicas" alcançadas com grande esforço. A selva não é mais uma cortina, abre-se sobre o céu turquesa e a vegetação sugere uma profundidade maior: as flores, são semelhantes às dos afrescos de lótus dos antigos egípcios; os frutos são bem modelados e parece que a lua os tinge de prata junto com as grandes folhas.
E assim terminamos a apresentação das obras de Rousseau. Você gostou? Deixe um comentário no final da página. Amanhã começaremos um novo artista! Obrigado!!!!

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Foresta tropicale con scimmie (1910) - National Gallery Washington

L'opera è stata dipinta durante gli ultimi mesi della vita di Rousseau. Mostra uno dei suoi caratteristici paesaggi esotici: lussureggiante, tropicale e vergine. Molti degli animali nelle immagini di Rousseau hanno volti o attributi umani. Le scimmie centrali in questo dipinto reggono bastoncini verdi da cui sembrano penzolare fili, suggerendo canne da pesca e attività ricreative umane, sottolineando così l'esperienza quasi umana degli animali. In questo senso i primati antropomorfi di Rousseau possono essere visti non come vere bestie feroci, ma piuttosto come rappresentanti di una fuga dalla "giungla" di Parigi e dalla routine quotidiana della vita civile. In un'epoca di espansione coloniale e spedizioni su larga scala, la stampa popolare era piena di immagini di occidentali a proprio agio nella giungla.

Floresta Tropical com Macacos (1910) - National Gallery Washington

A obra foi pintada durante os últimos meses da vida de Rousseau. Exibe uma de suas típicas paisagens exóticas: exuberante, tropical e virgem. Muitos dos animais nas imagens de Rousseau têm rostos ou atributos humanos. Os macacos centrais desta pintura seguram bastões verdes dos quais parecem balançar fios, sugerindo varas de pescar e atividades de recreação humana, enfatizando assim a experiência quase humana dos animais. Nesse sentido, os primatas antropomórficos de Rousseau podem ser vistos não como verdadeiras feras, mas sim como representantes de uma fuga da "selva" de Paris e do cotidiano da vida civilizada. Em uma era de expansão colonial e expedições em grande escala, a imprensa popular estava repleta de imagens de ocidentais à vontade na selva.

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La Cascata (1910) - Art Institute Chicago

Tra le sue ultime composizioni dipinte, La cascata è tipica delle scene della giungla per le quali Rousseau è diventato famoso all'inizio del XX secolo. Artista autodidatta che ha lavorato come spedizioniere doganale fino all'età di 49 anni, Rousseau non ha mai messo piede fuori dalla Francia. Invece, ha imparato a conoscere la flora e la fauna di luoghi lontani attraverso visite ai giardini botanici e zoo di Parigi, nonché in libri popolari. Di conseguenza, i suoi paesaggi spesso riflettono il modo in cui i parigini dell'epoca immaginavano gli imperi coloniali francesi in Africa e nelle Americhe. Qui, ha creato una scena con due figure dalla pelle scura e una coppia di cervi in ​​un ruscello circondato da una fitta vegetazione. Mentre li guardiamo, apparentemente inosservati o semplicemente appena notati dal cervo, incontriamo una scena di fantasia che riflette le idee europee del XX secolo sulla fuga dalla modernità e sul ritorno a origini più pacifiche.

A cachoeira (1910) - Art Institute Chicago

Entre suas últimas composições pintadas, A Cachoeira é típica das cenas de selva pelas quais Rousseau se tornou famoso no início do século XX. Artista autodidata que trabalhou como despachante aduaneiro até os 49 anos, Rousseau nunca pisou fora da França. Em vez disso, ele aprendeu sobre a flora e a fauna de lugares distantes por meio de visitas aos jardins botânicos e ao zoológico de Paris, bem como em livros populares. Como resultado, suas paisagens muitas vezes refletem a maneira como os parisienses da época imaginavam os impérios coloniais franceses na África e nas Américas. Aqui, ele criou uma cena com duas figuras de pele escura e um casal de cervos em um riacho cercado por vegetação densa. Enquanto os observamos, aparentemente despercebidos ou apenas notados pelos cervos, encontramos uma cena de fantasia que reflete as ideias europeias do século 20 sobre escapar da modernidade e retornar às origens mais pacíficas.

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Bouquet de fleurs (1910) - Tate Britain, Londra

Verso la fine della sua vita, Rousseau fu riconosciuto da Picasso e altri artisti come uno spirito creativo naturale. Più di un decennio dopo, il suo lavoro fu apprezzato dai surrealisti come prova degli aspetti meravigliosi dell'inconscio. Tutti erano affascinati dal suo stile non convenzionale e dalla sua immaginazione ossessiva, e Andre Breton, il poeta e teorico del surrealismo, aveva una natura morta simile a questa accanto alla sua scrivania, la quale sembrava aprire una porta nel mondo personale di Rousseau, segnalando un'individualità unica.

Bouquet de fleurs (1910) - Tate Britain, Londres

No final de sua vida, Rousseau foi reconhecido por Picasso e outros artistas como um espírito criativo natural. Mais de uma década depois, seu trabalho foi apreciado pelos surrealistas como prova dos aspectos maravilhosos do inconsciente. Todos ficaram fascinados por seu estilo não convencional e imaginação obsessiva, e André Breton, o poeta e teórico do surrealismo, tinha uma natureza morta semelhante a esta ao lado de sua escrivaninha, que parecia abrir uma porta para o mundo pessoal de Rousseau, sinalizando uma individualidade única.

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Cavallo attaccato da un giaguaro (1910) - Pushkin Museum of Fine Arts, Mosca

Rousseau credeva di essere un artista realista, ma non è così. I suoi dipinti sono molto semplici, come nel caso del Cheval attaqué par un jaguar, dove i colori sono ricchi e vibranti. Questo dipinto nel suo insieme ricorda le illustrazioni che si troverebbero in un libro di fiabe per bambini. Si vede la faccia del cavallo ma non la tigre che se lo sta mangiando. Questo dipinto è peculiare perché non ritrae realisticamente un giaguaro che attacca la sua preda, tuttavia, questo è ciò che rende interessante il suo lavoro. Il metodo di pittura di Rousseau prevedeva l'uso di più di venti diverse tonalità di verde, il suo colore preferito. Anche se è stato ridicolizzato dalla società a causa dei suoi dipinti semplici, non ha lasciato che questo gli impedisse di creare arte.

Cavalo atacado por um jaguar (1910) - Museu Pushkin de Belas Artes, Moscou

Rousseau acreditava ser um artista realista, mas não é. Suas pinturas são muito simples, como no caso do Cavalo atacado por um jaguar, onde as cores são ricas e vibrantes. Esta pintura como um todo é uma reminiscência de ilustrações que seriam encontradas em um livro de histórias infantis. Você vê a cara do cavalo, mas não o jaguar que o está comendo. Esta pintura é peculiar porque não retrata de forma realista uma onça atacando sua presa, no entanto, é isso que torna seu trabalho interessante. O método de pintura de Rousseau envolvia o uso de mais de vinte diferentes tons de verde, sua cor favorita. Embora tenha sido ridicularizado pela sociedade por causa de suas pinturas simples, ele não deixou que isso o impedisse de criar arte.

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Senna e Torre Eiffel al tramonto (1910) - Museo Pola, Hakone, Giappone

In quest'opera si possono vedere due strutture monumentali legate all'Esposizione Universale di Parigi. Uno è il Palais du Trocadéro, sede principale dell'Esposizione di Parigi del 1878, e l'altro è la Torre Eiffel, costruita durante l'Esposizione di Parigi del 1889. Il Palazzo del Trocadero fu demolito nel 1937, ma la Torre Eiffel, che doveva essere demolita nel 1909, è ancora un simbolo di Parigi. Roland Barthes descrive la torre come "un ponte in piedi che collega la terra e la città al cielo." Il ponte che si estende orizzontalmente e la Torre Eiffel che si estende verticalmente sono un omaggio al moderno mondo di sviluppo tecnologico. Lo stesso Rousseau è rimasto sbalordito dalla Torre Eiffel ed era entusiasta delle mostre straniere al sito dell'Expo. Si dice che Rousseau sia un pittore semplice, ma nella sua semplicità disegna il paesaggio di Parigi e i prodotti della civiltà che stanno cambiando con uno sguardo diretto ed esprime la modernità in modo unico.

Rio Sena e Torre Eiffel ao pôr do sol (1910) - Museu Pola, Hakone, Japão

Nesta obra podemos ver duas estruturas monumentais ligadas à Exposição Universal de Paris. Um é o Palais du Trocadéro, o principal local da Exposição de Paris de 1878, e o outro é a Torre Eiffel, construída durante a Exposição de Paris de 1889. O Palácio do Trocadero foi demolido em 1937, mas a Torre Eiffel, que deveria ser demolida em 1909, ainda é um símbolo de Paris. Roland Barthes descreve a torre como "uma ponte permanente que liga a terra e a cidade ao céu". A ponte que se estende horizontalmente e a Torre Eiffel que se estende verticalmente são uma homenagem ao moderno mundo de desenvolvimento tecnológico. O próprio Rousseau ficou maravilhado com a Torre Eiffel e emocionado com as exposições estrangeiras na Expo. Diz-se que Rousseau é um pintor simples, mas em sua simplicidade desenha a paisagem de Paris e os produtos da civilização que estão mudando com um olhar direto e expressa a modernidade de forma única.

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Ritratto di Monsieur X (Pierre Loti) (1910) - Kunsthaus, Zurigo

Questo olio su tela è un ritratto dello scrittore Pierre Loti, in posa con un gatto. Henri Rousseau presentò quest'opera al Salon des Indépendants del 1906, con il titolo "Ritratto di Monsieur F". Però originariamente questo ritratto era stato commissionato dallo scrittore e giornalista Edmond Franck, che in seguito lo distrusse. Il pittore ne aveva fatto una copia che verrà poi considerata, erroneamente, il ritratto di Pierre Loti, romanziere e ufficiale della marina francese. In una lettera al direttore della galleria Charpentier, del 20 agosto 1952, Edmond Franck, afferma di essere stato il modello del dipinto: "Ma posso assicurarti che quest'opera 1°: non è mai stata il ritratto di Pierre Loti; 2°: che è il mio stesso ritratto eseguito dal Douanier Rousseau a casa mia".

Retrato de Monsieur X (Pierre Loti) (1910) - Kunsthaus, Zurique

Este óleo sobre tela é um retrato do escritor Pierre Loti, posando com um gato. Henri Rousseau apresentou este trabalho no Salon des Indépendants de 1906, com o título "Retrato de Monsieur F". No entanto, este retrato tinha sido originalmente encomendado pelo escritor e jornalista Edmond Franck, que mais tarde o destruiu. O pintor havia feito uma cópia que mais tarde será considerada, erroneamente, o retrato de Pierre Loti, romancista e oficial da marinha francesa. Em uma carta ao diretor da galeria Charpentier, datada de 20 de agosto de 1952, Edmond Franck afirma ter sido o modelo da pintura: “Mas posso assegurar-vos que esta obra 1ª: nunca foi o retrato de Pierre Loti; 2ª: que é o meu próprio retrato pintado por Douanier Rousseau em minha casa".

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La raccolta delle banane (1910) - Yale University Art Gallery

“Niente mi rende così felice come osservare la natura e dipingere ciò che vedo” Cosi Henri Rousseau spiegava le motivazioni della sua arte. Ma in realtà questa raccolta di banane lui non l'ha mai vista, non avendo mai messo piedi fuori dalla Francia. Nella sua straordinaria capacità di rappresentare la natura esotica e tropicale si trova tutta la sua genialità dove il "ciò che vedo" era semplicemente il frutto della sua mente.

A colheita de bananas (1910) - Galeria de arte da Universidade de Yale

“Nada me deixa tão feliz quanto observar a natureza e pintar o que vejo” Assim Henri Rousseau explicava as motivações de sua arte. Mas, na realidade, ele nunca viu essa colheita de bananas, visto que jamais colocou os pés fora da França. Na sua extraordinária capacidade de representar a natureza exótica e tropical reside toda a sua genialidade onde o "o que vejo" era simplesmente o fruto da sua mente.

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La giungla equatoriale (1909) - National Gallery Washington

La natura selvaggia che Rousseau raffigura è profonda e inquietante. Foglie e fiori sono ingranditi anche oltre la fantastica fertilità dei tropici. Intrecciati e ad incastro, formano una barriera e trasmettono un senso di impenetrabilità della giungla. All'interno di questa giungla c'è una vita nascosta, minacciosa e piena di piccoli suoni. La bellezza ritmica delle forme ripetute delle foglie nel paesaggio di Rousseau è straordinaria e come decoratore è difficile da superare; ma la vera meraviglia del dipinto sta nel suo realismo fantasioso, nella sua potente concezione, nel grado in cui l'artista è posseduto dal suo soggetto fino a che la scena che ritrae prende vita in un modo strano, quasi magico.

A floresta equatorial (1909) - National Gallery Washington

A natureza selvagem que Rousseau retrata é profunda e perturbadora. Folhas e flores são ampliadas além da fantástica fertilidade dos trópicos. Entrelaçadas e interligadas, as plantas formam uma barreira e transmitem uma sensação de impenetrabilidade na selva. Dentro desta selva há uma vida escondida, ameaçadora e cheia de pequenos sons. A beleza rítmica das formas repetidas das folhas na paisagem de Rousseau é extraordinária e como decorador é difícil de superar; mas a verdadeira maravilha da pintura está em seu realismo fantasioso, em sua concepção poderosa, no grau em que o artista é possuído por seu tema até que a cena que ele retrata ganhe vida de uma maneira estranha, quase mágica.

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La Musa che ispira il poeta (1909) - Kunstmuseum Bâle, Svizzera

L'opera è un doppio ritratto del poeta Guillaume Apollinaire e la pittrice Marie Laurencin. Apollinaire conobbe e frequentò artisti d'avanguardia a Parigi, tra i quali anche i poeti Giuseppe Ungaretti e il pittore Pablo Picasso. Partecipò alle discussioni sul cubismo in gestazione e, nel 1913, scrisse un saggio su questa scuola artistica. Rousseau ha ritratto Apollinaire in un abito formale nero, gilet, camicia bianca e papillon, con in mano una penna d'oca e una pergamena - attributi del suo mestiere. La Musa, rappresentata come una corpulenta matrona in abiti antichi, alza la mano destra in un gesto rituale. Gli alberi accuratamente disegnati dietro i personaggi formano una specie di arco in cui sono iscritte le figure dei personaggi principali, una tecnica che ricorda i dipinti rinascimentali e gli arazzi medievali francesi. I fiori di mattiola in primo piano - che simboleggiano l'anima immortale del poeta, come se fosse conficcato nel terreno - forma una sorta di barriera tra lo spettatore e l'immagine.

A Musa que inspira o poeta (1909) - Kunstmuseum Bâle, Suíça

A obra é um retrato duplo do poeta Guillaume Apollinaire e da pintora Marie Laurencin. Apollinaire conheceu e frequentou artistas de vanguarda em Paris, incluindo os poetas Giuseppe Ungaretti e o pintor Pablo Picasso. Participou de discussões sobre o cubismo gestacional e, em 1913, escreveu um ensaio sobre essa escola de arte. Rousseau retratou Apollinaire em um terno formal preto, colete, camisa branca e gravata borboleta, segurando uma pena de ganso e um pergaminho - atributos de seu ofício. A Musa, representada como uma matrona corpulenta em roupas antigas, levanta a mão direita em um gesto ritual. As árvores cuidadosamente desenhadas por trás dos personagens formam uma espécie de arco no qual estão inscritas as figuras dos personagens principais, uma técnica que lembra as pinturas renascentistas e as tapeçarias medievais francesas. As flores silvestres em primeiro plano - que simbolizam a alma imortal do poeta, como se estivesse cravada no chão - formam uma espécie de barreira entre o espectador e a imagem.

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Ritratto di Joseph Brummer (1909) - Collezione privata

Joseph Brummer è stato un mercante d'arte e collezionista ungherese che ha esposto manufatti antichi di culture diverse, arte europea antica e opere di pittori e scultori moderni nelle sue gallerie di Parigi e New York. Nel 1906 lui e i suoi due fratelli aprirono la loro prima galleria a Parigi, la Galleria Brummer. All'inizio della prima guerra mondiale si trasferirono a New York, dove Joseph da solo aprì la sua galleria nel 1921 a Manhattan.

Retrato de Joseph Brummer (1909) - Coleção particular

Joseph Brummer era um negociante e colecionador de arte húngaro que exibia artefatos antigos de diferentes culturas, arte europeia antiga e obras de pintores e escultores modernos em suas galerias em Paris e Nova York. Em 1906, ele e seus dois irmãos abriram sua primeira galeria em Paris, a Galeria Brummer. No início da Primeira Guerra Mundial, eles se mudaram para Nova York, onde Joseph sozinho abriu sua galeria em 1921 em Manhattan.

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Giardini del Lussemburgo. Monumento a Chopin (1909) - Ermitage, San Pietroburgo

Il Giardino del Lussemburgo è un meraviglioso giardino pubblico, tra i più grandi di Parigi. Inaugurato nel 1612 da Maria de’ Medici, il giardino è un luogo fantastico, ideale per chi vuole trascorrere qualche ora di relax all’aria aperta. Il giardino oltre a presentare una ricca vegetazione, è ricco di statue e monumenti ed è il giardino del Senato francese, ospitato nel Palazzo del Lussemburgo. La scultura di George Dubois raffigurata nel dipinto di Rousseau, fu demolita durante la seconda guerra mondiale. È stata sostituita nel 1999 da un altro monumento creato da Boleslaw Syrewicz.

Jardins de Luxemburgo. Monumento a Chopin (1909) - Hermitage, São Petersburgo

Os Jardins de Luxemburgo são um maravilhoso jardim público, um dos maiores de Paris. Inaugurado em 1612 por Maria de' Medici, o jardim é um lugar fantástico, ideal para quem quer passar algumas horas relaxantes ao ar livre. O jardim além de apresentar uma rica vegetação, é repleto de estátuas e monumentos e é o jardim do Senado francês, instalado no Palácio de Luxemburgo. A escultura feita por George Dubois retratada na pintura de Rousseau, foi retirada durante a Segunda Guerra Mundial. Foi substituída em 1999 por outro monumento criado por Boleslaw Syrewicz.

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Les joueurs de football (I giocatori di calcio) (1908) - Museo Guggenheim, New York

Nel 1908 Rousseau espose l'opera al Salon des indépendants di Parigi. Il quadro è diventato un termine di confronto per numerosi artisti che trattano di sport ed è oggi una delle più famose opere d’arte sul “football”. Come si può notare, il quadro d Rousseau non tratta di calcio, ma di rugby, sport che nella Parigi d’inizio Novecento era considerato il “football” per eccellenza. L'opera è ambientata nella radura di un parco, che ci mostra quattro signori baffuti che giocano con una palla ovale. La composizione è molto ordinata; le cime degli alberi e i tronchi formano una X, al cui centro stanno i giocatori, visibilmente fuori scala rispetto alle piante tanto da sembrare dei giganti. I loro volti sono stereotipati, i corpi sono piatti, bidimensionali e improbabili dal punto di vista anatomico. Particolarmente innaturali sono gli arti, piegati come se fossero di gomma, e le mani, semplificate all’estremo. I quattro protagonisti del quadro indossano divise a strisce orizzontali, giallo-rosse o bianco-azzurre, che ricordano i costumi da bagno dell’epoca.

Les joueurs de football (Os jogadores de futebol) (1908) - Museu Guggenheim, Nova York

Em 1908 Rousseau expôs a obra no Salon des indépendants em Paris. A pintura tornou-se um termo de comparação para muitos artistas que representam os esportes e é hoje uma das obras de arte mais famosas do "football". Como se vê, a pintura de Rousseau não é sobre futebol, mas sobre rugby, esporte que em Paris no início do século XX era considerado o "football" por excelência. A obra é ambientada na clareira de um parque, e mostra quatro homens bigodudos brincando com uma bola oval. A composição é muito elegante; as copas das árvores e os troncos formam um X, no centro do qual estão os jogadores, visivelmente fora de escala em relação às plantas que até parecem gigantes. Seus rostos são estereotipados, seus corpos são planos, bidimensionais e anatomicamente improváveis. Particularmente antinaturais são os membros, dobrados como se fossem feitos de borracha, e as mãos, simplificadas ao extremo. Os quatro protagonistas da pintura vestem uniformes com listras horizontais, amarelo-vermelho ou branco-azul, lembrando as roupas de natação da época.

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Il calesse di papà Junier (1908) - Musée de l'Orangerie, Parigi

L'uomo che tiene orgogliosamente le redini è Claude Junier con la famiglia, la moglie Anna, una nipote e la figlia di quest'ultima, più i suoi animali (tre cani ed una cavalla). L'altro uomo, che porta in testa un vistoso cappello di paglia, è lo stesso Rousseau. I Junier gestivano un negozio di alimentari nel quartiere ed erano vicini e amici del pittore. Senza dubbio furono loro a commissionare il ritratto. Claude era anche un addestratore di cavalli ed era particolarmente orgoglioso della sua cavalla bianca, chiamata Rose. Il gruppo dei personaggi è perfettamente immobile e silenzioso come in una posa fotografica, mentre attorno si staglia con naturalezza e nella giusta prospettiva l'arioso paesaggio di un viale insolitamente grande e stranamente deserto.

A charrete de Papa Junier (1908) - Musée de l'Orangerie, Paris

O homem que segura as rédeas com orgulho é Claude Junier com sua família, sua esposa Anna, uma sobrinha e a filha dela, além de seus animais (três cães e uma égua). O outro homem, que usa um vistoso chapéu de palha na cabeça, é o próprio Rousseau. Os Juniers administravam uma mercearia no bairro e eram vizinhos e amigos do pintor. Sem dúvida, foram eles que encomendaram o retrato. Claude também era treinador de cavalos e era particularmente orgulhoso de sua égua branca, chamada Rose. O grupo de personagens está perfeitamente parado e silencioso como em uma pose fotográfica, enquanto a paisagem arejada de uma avenida incomumente grande e estranhamente deserta se destaca naturalmente e na perspectiva certa.

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Il viale nel parco a Saint Cloud (1908) - Galleria Kunstinstitut, Francoforte

All'età di quarantuno anni Henri Rousseau abbandonò il suo lavoro di funzionario doganale per dedicarsi interamente alla pittura. Artista autodidatta, ha sviluppato uno stile caratterizzato da distorsioni e proporzioni e prospettive innaturali. Minuscole figure umane camminano lungo un viale fiancheggiato da filari di alberi uniformi. In modo ingenuo, ogni dettaglio, sia in primo piano che sullo sfondo, è trattato allo stesso modo. Rousseau è considerato un precursore del Surrealismo per il modo in cui mondi onirici e realtà si fondono nelle sue opere.

A avenida no parque em Saint Cloud (1908) - Galeria Kunstinstitut, Frankfurt

Aos 41 anos, Henri Rousseau abandonou seu emprego como funcionário da alfândega para se dedicar inteiramente à pintura. Artista autodidata, desenvolveu um estilo caracterizado por distorções e proporções e perspectivas não naturais. Pequenas figuras humanas caminham ao longo de uma avenida ladeada por fileiras de árvores uniformes. Ingenuamente, todos os detalhes, tanto em primeiro plano quanto em segundo plano, são tratados igualmente. Rousseau é considerado um precursor do Surrealismo pela forma como os mundos dos sonhos e a realidade se unem em suas obras.

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Veduta di Malakoff (1908) - Collezione privata

Questo dipinto è dominato da grandi pali del telegrafo e un lampione, un segno del mondo industriale moderno in un tranquillo ambiente suburbano. I cieli bui e l'atmosfera pesante indicano che c'è una tempesta in arrivo. Le foglie argentate brillano negli alberi. Diverse piccole figure con un cappello a tesa larga camminano per la strada. Una donna porta un ombrello rosso. Al centro del dipinto si distinguono le sagome di tre operaie in camice bianco; cosa stiano facendo, tuttavia, non è chiaro.
Rousseau disegnò uno schizzo colorato per quest'opera impressionistica e di effetto transitorio. Ha delimitato con fermezza le case, i tetti e i marciapiedi delle strade e le immagini hanno una forma chiara e un colore pulito. Quest'opera dimostra che conosceva bene l'argomento, confermando il suo stile unico.

Vista de Malakoff (1908) - Coleção particular

Esta pintura é dominada por grandes postes de telégrafo e um poste de luz, um sinal do mundo industrial moderno em um ambiente suburbano tranquilo. O céu escuro e a atmosfera pesada indicam que há uma tempestade chegando. As folhas prateadas brilham nas árvores. Várias pequenas figuras com um chapéu de abas largas caminham pela rua. Uma mulher carrega um guarda-chuva vermelho. No centro da pintura podemos distinguir as silhuetas de três operaria de jaleco branco; o que elas estão fazendo, no entanto, não é claro. Rousseau desenhou um esboço colorido para este trabalho impressionista e transitório. Ele delineou com firmeza as casas, telhados e calçadas das ruas e as imagens têm forma clara e cor limpa. Este trabalho prova que ele conhecia bem o argumento, confirmando seu estilo único.

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Il ponte di Sevres (1908) - Museo Pushkin, Mosca

Il centro della composizione è il ponte sulla Senna, che collega le rive, densamente coperto da boschi. Rousseau lavora all’aria aperta con la sua tipica spontaneità, raffigurando ciò che vede di fronte a lui. Il desiderio dell’artista di “spremere” tutti i dettagli nella tela è chiaramente tracciato, non solo focalizzandosi sulle invenzioni del progresso, ma anche trasmettendo con precisione il pittoresco panorama del sobborgo di Parigi. L'inizio del secolo fu segnato da scoperte e invenzioni rivoluzionarie; Rousseau ammirò la conquista del cielo, quindi qui gli oggetti aerei creati dall’uomo esprimono i suoi veri sentimenti.

A Ponte Sevres (1908) - Museu Pushkin, Moscou

O centro da composição é a ponte sobre o rio Sena, que liga as margens, densamente cobertas de mata. Rousseau trabalha ao ar livre com sua espontaneidade típica, retratando o que vê à sua frente. O desejo do artista de "espremer" todos os detalhes na tela é claramente traçado, não apenas focando nas invenções do progresso, mas também transmitindo com precisão o panorama pitoresco do subúrbio de Paris. O início do século foi marcado por descobertas e invenções revolucionárias; Rousseau admirava a conquista do céu, então aqui os objetos aéreos criados pelo homem expressam seus verdadeiros sentimentos.

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La Candela Rosa (1908) - The Phillips Collection, Washington

Nell'opera non c'è quell'attenzione da botanico solitamente riservata alla rappresentazione delle piante. I colori sono ancora più piatti e la variazione della stessa tinta in un oggetto (frutto o bottiglia che sia) è minimizzata: non è il dipingere del Rousseau dei grandi paesaggi o delle giungle. La motivazione di adottare questa resa pittorica viene spiegata con la preoccupazione del pittore di realizzare, in breve tempo, dipinti facilmente commerciabili. Si possono trovare qui i primordi delle future nature morte di Morandi o di Carrà.

A Vela Rosa (1908) - The Phillips Collection, Washington

Na obra não há aquela atenção botânica normalmente reservada para a representação das plantas. As cores são ainda mais planas e a variação da mesma tonalidade em um objeto (frutas ou garrafa) é minimizada: não é a pintura de Rousseau das grandes paisagens ou selvas. A motivação para a adoção desta representação pictórica é explicada pela preocupação do pintor em criar quadros facilmente comercializáveis ​​em pouco tempo. Aqui é possível encontrar os primórdios das futuras naturezas-mortas de Morandi ou Carrà.

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Lotta tra una tigre e un bufalo (1908) - Museo di Belle Arti, Cleveland

Non essendosi mai avventurato fuori dalla Francia, Rousseau ha tratto le sue scene nella giungla dalla lettura di libri di viaggio e dalla visita al giardino botanico di Parigi. Ha collocato questa scena immaginaria di una tigre che attacca un bufalo all'interno di un fantastico ambiente della giungla in cui l'accuratezza botanica era di poca importanza (notare le banane che crescono a testa in giù). Qui, le piante da serra dai contorni netti vengono ingrandite a proporzioni spaventose. Rousseau stava lavorando a questo dipinto mentre era incarcerato per frode nel dicembre 1907. I funzionari gli concessero la libertà anticipata per poterlo finire per l'esposizione al Salon des Indépendants, dove questa importante composizione, una delle più grandi e importanti dell'artista, apparve nel marzo 1908. Trattasi della prima opera d'arte utilizzata per una campagna istituzionale di Facebook che mostra come metaverso e 3D possano arricchire l’esperienza di fruizione artistica: il dipinto improvvisamente si anima dando vita a un party coinvolgente dentro al museo.

https://youtu.be/G2W9YVkkn9U

Luta entre um tigre e um búfalo (1908) - Museu de Belas Artes, Cleveland

Visto que nunca se aventurou fora da França, Rousseau desenhou suas cenas de selva lendo livros de viagem e visitando o jardim botânico de Paris. Ele colocou esta cena fictícia de um tigre atacando um búfalo dentro de um fantástico ambiente de selva onde a precisão botânica era de pouca importância (note as bananas crescendo de cabeça para baixo). Aqui, plantas de estufa com contornos definidos são ampliadas em proporções assustadoras. Rousseau estava trabalhando nesta pintura enquanto estava preso por fraude em dezembro de 1907. Os funcionários concederam-lhe a liberdade antecipada para que pudesse terminá-la para a exposição no Salon des Indépendants, onde esta importante composição, uma das maiores e mais importantes do artista, foi mostrada em março de 1908. Esta é a primeira obra de arte utilizada para uma campanha institucional no Facebook que mostra como o metaverso e o 3D podem enriquecer a experiência de fruição artística: a pintura de repente se anima dando vida a uma festa envolvente dentro do museu.

https://youtu.be/G2W9YVkkn9U

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Rappresentanti di potenze straniere vengono a salutare la Repubblica in segno di pace (1907) - Museo Picasso, Parigi

Nel 1907 Rousseau espose questo dipinto al XXIII Salon des Artistes Indépendants, testimoniando le sue convinzioni pacifiste e repubblicane e il suo gusto per le allegorie patriottiche. Il pittore riunisce, sulla stessa piattaforma, capi di stato presenti e passati che non sono mai stati insieme. Sulla sinistra, sei presidenti francesi sono raggruppati sotto il ramo d'ulivo proteso dall'allegoria della Repubblica francese, tutta vestita di rosso, che indossa il berretto frigio ed è appoggiata su uno scudo recante l'iscrizione: Unione dei Popoli. Accanto a loro stanno nove sovrani stranieri. Tutti questi personaggi sfoggiano un ramoscello d'ulivo. Sullo sfondo, a destra, bambini di tutte le origini danzano intorno alla statua del pensatore umanista Etienne Dolet.

Representantes de potências estrangeiras vêm saudar a República como sinal de paz (1907) - Museu Picasso, Paris

Em 1907, Rousseau expôs esta pintura no XXIII Salon des Artistes Indépendants, atestando suas crenças pacifistas e republicanas e seu gosto por alegorias patrióticas. O pintor reúne, na mesma plataforma, chefes de estado atuais e passados ​​que nunca estiveram juntos. À esquerda, seis presidentes franceses estão agrupados sob o ramo de oliveira que sobressai da alegoria da República Francesa, toda vestida de vermelho, usando o gorro frígio e apoiada em um escudo com a inscrição: União dos Povos. Ao lado deles estão nove soberanos estrangeiros. Todos esses personagens ostentam um ramo de oliveira. Ao fundo, à direita, crianças de todas as origens dançam ao redor da estátua do pensador humanista Etienne Dolet.

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I Fenicotteri (1907) - Collezione privata

Nel dipinto c'è una famiglia di quattro fenicotteri rosa sulla riva di un fiume, allineati in ordine di altezza, in varie pose. Dall'altra parte dalla riva c'è un'isola, dove ci sono tre abitanti del villaggio. Nel fiume i fiori di loto bianchi galleggiano sulla superficie e quelli rosa e gialli si ergono su steli alti sopra l'acqua. Dall'altra parte della sponda c'è una giungla tropicale. I gigli creano un senso di pace e calma. L'opera celebra la giustapposizione tra reale e immaginario. Rousseau ha descritto le sue frequenti visite al Jardin des Plantes: "Quando entro nelle case di vetro e vedo le strane piante di terre esotiche, mi sembra di entrare in un sogno". Secondo quanto riferito, lui aveva anche incontrato soldati che, sopravvissuti alla spedizione francese in Messico, gli avevano raccontato storie del paese.

Os Flamingos (1907) - Coleção particular

Na pintura há uma família de quatro flamingos cor-de-rosa na margem de um rio, alinhados por ordem de altura, em várias poses. Do outro lado da margem há uma ilha, onde há três pessoas. No rio, flores de lótus brancas flutuam na superfície e outras flores rosas e amarelas sobem em caules altos acima da água. Do outro lado da margem ha uma selva tropical. Os lírios criam uma sensação de paz e calma. A obra celebra a justaposição entre o real e o imaginário. Rousseau descreveu suas frequentes visitas ao Jardin des Plantes: "Quando entro nas casas de vidro e vejo as plantas estranhas de terras exóticas, parece-me entrar em um sonho". Ele também teria encontrado soldados que, sobreviventes da expedição francesa ao México, contaram-lhe histórias do país.

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La Charmeuse de serpents (L'incantatrice di serpenti) (1907) - Musée d'Orsay, Parigi

Il soggetto de L'incantatrice di serpenti non è facilmente individuabile. Se la parte sinistra del dipinto, composta da una superficie d'acqua illuminata dalla luna, è di facile lettura, la parte destra è più sconcertante. Su uno sfondo di fitte chiome e forme molto varie, riusciamo a malapena a distinguere il serpente che avanza verso la protagonista, perché il suo disegno si fonde con quello di un ramo. Si possono distinguere altri tre rettili: uno attorno al collo della figura femminile e due che emergono dall'erba ai suoi piedi. Il mistero dell'immagine è rafforzato dal controluce che rende ancora più scuro il corpo nero del personaggio femminile e impedisce ai serpenti di essere facilmente distinguibili. La luce brillante che illumina le piante in primo piano a destra, in contrasto con quella della luna, si aggiunge all'atmosfera misteriosa del dipinto.

La Charmeuse de serpents (A encantadora de serpentes) (1907) - Musée d'Orsay, Paris

O sujeito da Encantadora de serpentes não é facilmente identificável. Se a parte esquerda da pintura, composta por uma superfície de água iluminada pela lua, é fácil de ler, a parte direita é mais desconcertante. Contra um fundo de folhagem densa e formas muito variadas, mal conseguimos distinguir a cobra avançando em direção à protagonista, pois seu desenho se funde com o de um galho. Três outros répteis podem ser distinguidos: um em volta do pescoço da figura feminina e dois emergindo da grama a seus pés. O mistério da imagem é reforçado pela luz de fundo que torna o corpo negro da personagem feminina ainda mais escuro e impede que as cobras sejam facilmente distinguíveis. A luz brilhante que ilumina as plantas em primeiro plano à direita, em contraste com a da lua, aumenta a atmosfera misteriosa da pintura.

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Il pasto del leone (1907) - Museum of Modern Art, New York

La tela è stata, con molta probabilità, esposta nel 1907 al Salon d'Automne. L'artista, prima di realizzare l'opera, ha effettuato degli studi sulla flora tipica della giungla presso i giardini botanici della capitale francese. Per gli animali presenti nel quadro, ha tratto ispirazione dalle illustrazioni che compaiono nei libri per bambini e da riviste scientifiche specializzate. Il quadro fa parte della collezione del Museum of Modern Art di New York dal 1951, grazie alla donazione fatta da un privato.

A refeição do leão (1907) - Museu de Arte Moderna, Nova York

A tela provavelmente foi exibida em 1907 no Salon d'Automne. Antes de realizar a obra, a artista realizou estudos sobre a flora típica da selva nos jardins botânicos da capital francesa. Para os animais da pintura, ele se inspirou nas ilustrações que aparecem em livros infantis e revistas científicas especializadas. A pintura faz parte da coleção do Museu de Arte Moderna de Nova York desde 1951, graças a uma doação feita por um privado.

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Eva (1906) - Kunsthalle Hamburg, Germania

Un serpente si avvolge attorno a un piccolo albero e incontra Eva che cammina nuda nella giungla. Condividono un piccolo frutto dell'albero che l'artista rappresenta con piccoli cerchi di vernice arancione. A Rousseau piaceva mettere insieme natura e umanità e per questo esistono poche storie migliori di quella di Adamo ed Eva.

Eva (1906) - Kunsthalle Hamburgo, Alemanha

Uma cobra se enrola em uma pequena árvore e encontra Eva, que caminha nua pela floresta. Elas compartilham um pequeno fruto da árvore que o artista representa com pequenos círculos de tinta laranja. Rousseau gostava de combinar natureza e humanidade e para isso existem poucas histórias melhores do que a de Adão e Eva.

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Joyeux farceurs (Buoni burloni) (1906) - Philadelphia Museum of Art

Un gruppo di scimmie barbute e un uccello tropicale osservano attentamente lo spettatore, come se un rumore improvviso avesse disturbato il loro gioco. Una bottiglia capovolta svuota inspiegabilmente il suo contenuto nell'aria davanti a loro. L'umorismo assurdo e da pantomima della scena è stranamente in contrasto con la minaccia latente degli sguardi inquietanti degli animali e l'immobilità congelata della scena. L'artista cattura la sontuosità della giungla coprendo quasi l'intera tela con una tenda impenetrabile di vegetazione lussureggiante. Rousseau si riferiva alle sue immagini della giungla degli ultimi anni della sua vita come ai suoi "paesaggi messicani" e una volta si pensava che fosse stato effettivamente in Messico nell'esercito di Napoleone III. Intanto, la flora e la fauna nei suoi dipinti si basavano soltanto sulle sue visite al Jardin des Plantes a Parigi, nonché su libri per bambini e riviste illustrate.

Joyeux farceurs (Felizes brincalhões) (1906) - Museu de Arte da Filadélfia

Um grupo de macacos barbudos e um pássaro tropical observam o espectador atentamente, como se um barulho repentino tivesse atrapalhado a sua brincadeira. Uma garrafa de cabeça para baixo inexplicavelmente esvazia seu conteúdo no ar na frente deles. O humor absurdo e pantomima da cena é estranhamente contrastado com a ameaça latente dos olhares assustadores dos animais e a imobilidade congelada da cena. O artista captura a suntuosidade da selva cobrindo quase toda a tela com uma cortina impenetrável de vegetação exuberante. Rousseau referia-se às suas imagens da selva dos últimos anos de sua vida como suas "paisagens mexicanas" e pensava-se que realmente ele tivesse estado no México no exército de Napoleão III. No entanto, a flora e a fauna de suas pinturas baseavam-se apenas em suas visitas ao Jardin des Plantes em Paris, bem como em livros infantis e revistas ilustradas.

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La Libertà invita gli artisti a partecipare al XXII Salon des Artistes Indépendants (1906) - Artizon Museum, Tokyo

Si tratta certamente di un’opera dagli effetti di massimo naïf di Rousseau: nella strada, delimitata da due filari di alberi appiattiti e senza profondità, due interminabili code di pittori, tutti più o meno della stessa altezza con in mano la propria opera pittorica – anche questa perfettamente uguale per tutti – si stanno recando nella sede del celebre Salon. Al centro domina una gigantesca belva in carne ed ossa, sotto le sue zampe è steso un manifesto con nomi di pittori. Infine, librato nel cielo, spicca un angelo con la tromba, simboleggiante la Libertà. Il dipinto fu acquistato dal commediografo e narratore francese Georges Moinaux, che lo destinò al proprio “Museo degli orrori”.

A Liberdade convida os artistas a participar do XXII Salon des Artistes Indépendants (1906) - Artizon Museum, Tóquio

Trata-se certamente de uma obra com os máximos efeitos naïf de Rousseau: na rua, ladeada por duas fileiras de árvores achatadas e sem profundidade, duas filas intermináveis ​​de pintores, todos mais ou menos da mesma altura segurando sua própria obra pictórica - perfeitamente igual para todos - eles estão a caminho da sede do famoso Salão. No centro domina uma gigantesca fera em carne e osso, sob suas patas há um cartaz com nomes de pintores. Por fim, pairando no céu, destaca-se um anjo com trombeta, simbolizando a Liberdade. A pintura foi comprada pelo comediante e ator francês Georges Moinaux, que a colocou no seu "Museu dos Horrores".

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Il leone affamato si avventa sull'antilope (1905) - Fondazione Beyeler, Riehen, Svizzera

Nel 1905, con il noto dipinto dedicato alla giungla, Rousseau sfondò al «Salon d'Automne» di Parigi. Schernito e deriso nel secolo XIX, all’inizio del 20° secolo divenne uno degli artisti d’avanguardia più ammirati. Una caratteristica saliente della pittura di Rousseau è la tensione tra oggettività botanica e fantasia misteriosa. Rousseau non aveva una conoscenza diretta delle regioni esotiche del mondo. I modelli dei suoi animali e piante erano ispirati a riviste e foto.

O leão faminto ataca o antílope (1905) - Fundação Beyeler, Riehen, Suíça

Em 1905, com a famosa pintura dedicada à selva, Rousseau estourou no "Salon d'Automne" em Paris. Zombado e ridicularizado no século XIX, no início do século XX ele se tornou um dos artistas de vanguarda mais admirados. Uma característica saliente da pintura de Rousseau é a tensão entre a objetividade botânica e a fantasia misteriosa. Rousseau não tinha conhecimento direto das regiões exóticas do mundo. Os modelos de seus animais e plantas eram inspirados por revistas e fotos.

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Femme se promenant dans une forêt exotique (Donna che cammina in una foresta esotica) (1905) - Barnes Foundation, Philadelphia

Henri Rousseau divenne l'improbabile eroe dell'avanguardia parigina per il suo stile "ingenuo" e per i suoi temi enigmatici. Qui prende un soggetto apparentemente normale - una donna vestita alla moda che passeggia - e lo rende strano. La figura è sminuita da piante enormi e fantastici fiori viola, mentre le arance grandi quasi il doppio della sua testa penzolano sopra. È chiaramente fuori dal suo elemento naturale: ciò è sottolineato dalla mancanza di un percorso chiaro su cui potrebbe continuare a camminare. La donna vagamente sorpresa ricorda gli animali spaventati nelle immagini della giungla dell'artista, tra cui scimmie e pappagalli nella foresta vergine.

Femme se promenant dans une forêt exotique (Mulher caminhando em uma floresta exótica) (1905) - Fundação Barnes, Filadélfia

Henri Rousseau tornou-se o herói improvável da vanguarda parisiense por seu estilo "ingênuo" e temas enigmáticos. Aqui toma um assunto aparentemente normal - uma mulher elegantemente vestida que passeia - e o torna estranho. A figura é ofuscada por plantas enormes e fantásticas flores roxas, enquanto laranjas com quase o dobro do tamanho de sua cabeça pendem acima. Está claramente fora do seu elemento natural: isto é sublinhado pela falta de um caminho claro sobre o qual possa continuar a caminhar. A mulher vagamente surpresa lembra os animais assustados nas imagens da selva do artista, incluindo macacos e papagaios na floresta virgem.

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La noce (Le nozze) (1904) - Museo dell'Orangerie, Parigi

A prima vista, ci troviamo di fronte al ritratto fotografico di un matrimonio. I protagonisti in costume da città posano per il fotografo. Tuttavia, curiosamente la sposa sembra fluttuare nell'aria. Il suo velo si sovrappone all'abito della nonna seduta a destra e contraddice la prospettiva suggerita dalla collocazione dei personaggi nella composizione. Goffaggine? In realtà è una goffaggine voluta, un pentimento, quindi una scelta deliberata del pittore. Anche in questo caso, Rousseau gioca sull'introduzione dello strano nella realtà. Il cane di grandi dimensioni in primo piano è imbarazzante e buffo. Il doganiere si afferma come il maestro dei paradossi spaziali. Il gruppo si inserisce in una cornice di alberi sottodimensionati e stilizzati dal fogliame improbabile.

La noce (O casamento) (1904) - Museu Orangerie, Paris

À primeira vista, estamos diante de um retrato fotográfico de um casamento. Os protagonistas em trajes da cidade posam para o fotógrafo. No entanto, curiosamente a noiva parece estar flutuando no ar. Seu véu se sobrepõe ao vestido da avó sentada à direita e contraria a perspectiva sugerida pela colocação dos personagens na composição. Falta de jeito? Na realidade, é uma falta de jeito premeditada, um arrependimento, portanto, uma escolha deliberada do pintor. Também neste caso, Rousseau joga com a introdução do estranho na realidade. O grande cão em primeiro plano é estranho e engraçado. O funcionário da alfândega afirma-se como o mestre dos paradoxos espaciais. O grupo se encaixa em uma moldura de árvores subdimensionadas e estilizadas com folhagem improvável.

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L'enfant à la poupée (Bambina con bambola) (1904) - Museo dell'Orangerie, Parigi

La bambina che ci guarda dritto negli occhi appare come una figura inquietante e ipnotica. Non c'è niente di infantile nei suoi lineamenti. Il suo corpo sembra gigantesco e sproporzionato. Le gambe che curiosamente scompaiono nell'erba sono enormi rispetto alle braccia, in particolare il braccio destro che regge una popolare bambola di cartone. Il corpo è rappresentato "egiziano": parte superiore del corpo girata, ma gambe di profilo. La modellazione è praticamente inesistente e i pois bianchi che punteggiano il vestito rosso della bambina accentuano la piattezza del personaggio, che sembra letteralmente incollato allo sfondo. Il paesaggio è ridotto all'estremo: un cielo azzurro quasi uniforme e un prato costellato di fiori che ricordano gli arazzi medievali. Tuttavia, Rousseau crea un leggero effetto prospettico oscurando l'erba in lontananza e riducendo le dimensioni delle margherite.

L'enfant à la poupée (Menina com boneca) (1904) - Museu Orangerie, Paris

A criança que nos olha direto nos olhos aparece como uma figura perturbadora e hipnótica. Não há nada infantil em suas feições. Seu corpo parece gigantesco e desproporcional. As pernas que curiosamente desaparecem na grama são enormes em comparação com os braços, especialmente o braço direito que segura uma popular boneca de papelão. O corpo é representado "egípcio": parte superior do corpo voltada, mas pernas de perfil. A modelagem é praticamente inexistente e as bolinhas brancas que pontuam o vestido vermelho da menininha acentuam a planicidade da personagem, que parece estar literalmente colada ao fundo. A paisagem é reduzida ao extremo: um céu azul quase uniforme e um prado salpicado de flores que lembram as tapeçarias medievais. No entanto, Rousseau cria um leve efeito de perspectiva escurecendo a grama ao longe e reduzindo o tamanho das margaridas.

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Éclaireurs attaqués par un tigre (Esploratori attaccati da una tigre) (1904) - Barnes Foundation, Philadelphia

L'artista autodidatta Henri Rousseau ha creato le sue enormi scene nella giungla studiando le piante e gli animali impagliati nel museo di storia naturale di Parigi. Dipinte al culmine del periodo coloniale, tali opere erano apprezzate dal pubblico parigino per la loro rappresentazione teatrale, esotica e violenta dei territori lontani della Francia.

Éclaireurs attaqués par un tigre (Batedores atacados por um tigre) (1904) - Fundação Barnes, Filadélfia

O artista autodidata Henri Rousseau criou suas enormes cenas na selva estudando plantas e animais empalhados no museu de história natural de Paris. Pintadas no auge do período colonial, essas obras foram apreciadas pelo público parisiense por sua representação teatral, exótica e violenta dos distantes territórios da França.

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Mauvaise surprise (Brutta sorpresa) (1901) - Barnes Foundation, Philadelphia

Le moltissime scene della giungla di Henri Rousseau sono piene di violente lotte tra animali selvatici come leoni, tigri e cavalli. Qui, un cacciatore salva una bagnante nuda da un orso dagli artigli aguzzi. La figura della donna si alza in un gesto di calma resa, rivelando i palmi delle mani sporchi, mentre l'uomo spara alla bestia con la sua arma da fuoco. Il dipinto di Rousseau si legge all'inizio come una classica "damigella in pericolo". Eppure più si guarda da vicino, più strana diventa l'immagine e più difficile è decifrare la narrazione.

Mauvaise surprise (Surpresa desagradável) (1901) - Fundação Barnes, Filadélfia

As muitas cenas de selva de Henri Rousseau estão repletas de lutas violentas entre animais selvagens, como leões, tigres e cavalos. Aqui, um caçador resgata um banhista nu de um urso de garras afiadas. A figura da mulher se levanta em um gesto de calma rendição, revelando as palmas sujas de suas mãos, enquanto o homem atira na fera com sua arma de fogo. A pintura de Rousseau inicialmente é lida como uma clássica "donzela em perigo". No entanto, quanto mais de perto você olha, mais estranha a imagem se torna e mais difícil é decifrar a narrativa.

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Mazzo di fiori con ramo di edera (1901) - Museum of Modern Art, New York

Per Henri Rousseau, il tema della natura morta, in particolare dei fiori, offriva un piacevole diversivo da materie accademiche più ambiziose. La rigorosa vista frontale dei suoi dipinti floreali e il suo impiego di forme chiare e a tinta unita e di uno spazio ristretto e appiattito sono tutte caratteristiche dell'arte popolare o "primitiva". La superficie è liscia in modo uniforme, ma a volte è interrotta per consentire al fondo preparatorio bianco di trasparire come elemento strutturale.

Buquê de flores com ramo de hera (1901) - Museu de Arte Moderna de Nova York

Para Henri Rousseau, o tema da natureza morta, especialmente as flores, oferecia um agradável diversivo dos assuntos acadêmicos mais ambiciosos. A rigorosa visão frontal de suas pinturas florais e o uso de formas planas e tinta unida e um espaço estreito e achatado são características da arte popular ou "primitiva". A superfície é uniformemente lisa, mas às vezes é interrompida para permitir que o fundo preparatório branco apareça como elemento estrutural.

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Ritratto della seconda moglie dell'artista (1900-03) - Museo Picasso, Parigi

Nel 1899 Rousseau si sposa per la seconda volta, con la vedova Joséphine Noury, e tra il 1900 e il 1903, anno successivo a quello della morte per cancro della donna, dipinge il suo autoritratto e poi il suo gemello con il busto della seconda moglie in posizione speculare; messe accanto le opere sembrano guardarsi a vicenda. La storia di questo dipinto non può essere sciolta dal suo pendant, tanto più che non sono mai stati separati. Il tratto severo e la pennellata ferma rivelano la sua sicurezza, la determinazione nel seguire il mestiere, l'orgoglio di vincere le durezze di una vita scarna, essenziale come il fondo del quadro, ma illuminata dal calore della fiamma dell'arte. Nel 1938 Picasso acquistò i due dipinti alla Galleria Rosenberg di Parigi.

Retrato da segunda esposa do artista (1900-03) - Museu Picasso, Paris

Em 1899 Rousseau casou-se pela segunda vez, com sua viúva Joséphine Noury, e entre 1900 e 1903, ano seguinte ao da morte dela por câncer, pintou seu auto-retrato e depois seu par com o busto de sua segunda esposa em posição especular: colocadas lado a lado as obras parecem se olhar. A história desta pintura não pode ser desvinculada de sua contraparte, especialmente porque nunca foram separadas. O traço severo e a pincelada firme revelam sua confiança, a determinação de seguir a profissão, o orgulho de superar as dificuldades de uma vida parca, tão essencial quanto o fundo da pintura, mas iluminada pelo calor da chama da arte. Em 1938, Picasso comprou as duas pinturas na Galeria Rosenberg, em Paris.

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Ritratto dell'artista con una lampada (1900-03) - Museo Picasso, Parigi

All'inizio del 900 Rousseau riprende il motivo dei ritratti e li ripropone rappresentando lui e la sua seconda moglie, rivolti l'uno verso l'altra di tre quarti, ciascuno accompagnato questa volta da una lampada a olio. Questi due dipinti facevano parte della collezione personale di Picasso, grande estimatore di Rousseau. Non si separò mai da questi due piccoli ritratti e uno dei biografi del maestro catalano confidò che quando Picasso terminava un dipinto, lo affiancava a questi due ritratti per vedere se il confronto reggeva.

Retrato do artista com uma lâmpada (1900-03) - Museu Picasso, Paris

No início do século XX, Rousseau retomou o motivo dos retratos e os repropôs, representando a si mesmo e sua segunda esposa, de frente um para o outro em posição de três quartos, cada um acompanhado desta vez por uma lamparina a óleo. Essas duas pinturas faziam parte do acervo pessoal de Picasso, grande admirador de Rousseau. Ele nunca se separou desses dois pequenos retratos e um dos biógrafos do mestre catalão confidenciou que quando Picasso terminava uma pintura, ele a colocava ao lado desses dois retratos para ver se a comparação se sustentava.

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Ritratto di donna con un mazzo di fiori (1900-03) - Galerie L'Effort Moderne, Parigi

Il Ritratto di donna con un mazzo di fiori è la controparte dell'Autoritratto con un mazzo di fiori al Brooklyn Museum di New York. È molto probabile che si tratti del ritratto di Clémence, la prima moglie dell'artista, da lui adorata ma morta troppo presto. Rousseau ha voluto rendere omaggio al suo amore defunto utilizzando il simbolismo dei fiori rappresentati in ciascuno dei due dipinti: le rose che significano amore e i nontiscordardimé "non dimenticarmi". Henri Rousseau compose anche un valzer che chiamò Clémence e che fu pubblicato dall'Accademia di Letteratura e Musica di Francia.

Retrato de mulher com um buquê de flores (1900-03) - Galerie L'Effort Moderne, Paris

O Retrato de mulher com um buquê de flores é a contrapartida do autorretrato com um buquê de flores no Brooklyn Museum em Nova York. É muito provável que seja o retrato de Clémence, a primeira esposa do artista, que ele adorava, mas morreu cedo demais. Rousseau quis homenagear o seu falecido amor usando o simbolismo das flores representadas em cada uma das duas pinturas: rosas que significam amor e miosótis "não se esqueça de mim". Rousseau também compôs uma valsa que chamou de Clémence e que foi publicada pela Academia de Literatura e Música da França.

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Autoritratto con un mazzo di fiori (1900-1903) - Brooklyn Museum, New York

Il 14 agosto 1869 Henri Rousseau, 25 anni, si sposa con Clémence Boitard, 19 anni. La coppia ha avuto 7 figli di cui solo una diventerà adulta. Dopo 18 anni di matrimonio, Clémence morì il 7 maggio 1888, prima del suo 38esimo compleanno. Ai 63 anni, riflettendo il suo passato, Rousseau scrisse una lettera il 19 dicembre 1907 in cui confidava di aver adorato la sua prima moglie, che purtroppo aveva la tubercolosi. Scrisse: "... mia povera moglie... ha lasciato questa terra... dopo vent'anni di pura sacra unione, ciascuno vivendo per l'altro... quei vent'anni furono la gioia della mia vita...” "Ero solo. Il grande vuoto; soprattutto i due occhi, che mi sono mancati tanto nella mia vita. Ah! Sarebbe stato meglio se anch'io fossi andato con lei». Per ricordare la moglie dipinse due ritratti (suo e della moglie) con vaso di fiori dove si vedono colori scuri e tristi. Oggi vediamo l'autoritratto.

Auto-retrato com um buquê de flores (1900-1903) - Brooklyn Museum, Nova York

Em 14 de agosto de 1869, Henri Rousseau, 25 anos, casou-se com Clémence Boitard, de 19. O casal teve 7 filhos, dos quais apenas uma se tornará adulta. Após 18 anos de casamento, Clémence morreu em 7 de maio de 1888, antes de completar 38 anos. Aos 63 anos, refletindo sobre seu passado, Rousseau escreveu uma carta em 19 de dezembro de 1907 na qual confidenciou que adorava sua primeira esposa, que infelizmente tinha tuberculose. Ele escreveu: "... minha pobre esposa... ela deixou esta terra... depois de vinte anos de pura união sagrada, cada um vivendo para o outro... aqueles vinte anos foram a alegria da minha vida..." "Eu estava sozinho. O grande vazio; especialmente os dois olhos, dos quais senti tanta falta na minha vida. Ah! Teria sido melhor se eu tivesse ido com ela também." Para recordar a esposa pintou dois retratos (seu e da esposa) com um vaso de flores em que se vêem cores escuras e tristes. Hoje veremos o auto-retrato.

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Il passato e il presente o pensiero filosofico (1899) - The Barnes Foundation Philadelphia

Nel 1899, dopo 11 anni della morte della prima moglie Clémence, Rousseau si sposa con una vedova chiamata Josephine. Dipinge quindi un doppio ritratto in cui riconosciamo lui e la seconda moglie. Sopra di loro, tra le nuvole, possiamo vedere i volti del giovane Rousseau e della sua prima moglie Clémence. Nelle mani ancora un mazzo di nontiscordardimé. Il ramo di edera rappresenta amore e fedeltà eterni. Rousseau ha accompagnato il suo dipinto con il seguente testo: “Essere separati gli uni dagli altri / Di quelli che avevano amato / Entrambi si uniscono di nuovo / Rimanendo fedeli al loro pensiero”.

O passado e o presente ou pensamento filosófico (1899) - The Barnes Foundation Philadelphia

Em 1899, após 11 anos da morte de sua primeira esposa Clémence, Rousseau se casou com uma viúva chamada Josephine. Ele então pinta um retrato duplo no qual o reconhecemos juntamente com a sua segunda esposa. Acima deles, nas nuvens, podemos ver os rostos do jovem Rousseau e sua primeira esposa Clémence. Nas mãos ainda um buquê de miosótis "não se esqueça de mim". O ramo de hera representa amor e fidelidade eternos. Rousseau acompanhou sua pintura com o seguinte texto: “Separados um do outro / Daqueles que amaram / Ambos se unem novamente / Mantendo-se fiéis ao seu pensamento”.

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Nave nella tempesta (1899) Musée de l'Orangerie, Parigi

Si tratta dell'unica opera pittorica di Rousseau dove è rappresentato il mare aperto: nonostante l'artista sostenesse di aver preso parte all'intervento francese in Messico, sembra che egli non abbia mai viaggiato via nave. Come si può facilmente notare, il veliero, un due alberi, batte bandiera francese. La barca sembra essere una fusione di vari design. Ha oblò come un transatlantico e una prua a sperone come una corazzata. Questo amalgama si trova nelle barchette giocattolo dell'epoca. Rousseau ha potuto vederne alcuni o trarre ispirazione da una pubblicità. Comunque, il pittore si ispirò alle arti popolari. In un testo pubblicato sulla rivista italiana La Voce edita da Soffici, Rousseau racconta il suo fascino per "la pittura di uomini semplici": insegne, ex voto, addobbi di bancarelle.

Navio na Tempestade (1899) Musée de l'Orangerie, Paris

É a única obra pictórica de Rousseau onde é representado o mar aberto: embora o artista afirme ter participado da intervenção francesa no México, parece que jamais viajou de navio. Como se pode ver facilmente, o veleiro de dois mastros, bate bandeira francesa. O barco parece ser uma fusão de vários designs. Tem escotilhas como um transatlântico e uma proa como um navio de guerra. Este amálgama é encontrado nos barquinhos de brinquedo da época. Rousseau pôde ver alguns deles ou se inspirar em um anúncio publicitário. No entanto, o pintor se inspirou nas artes populares. Em um texto publicado na revista italiana La Voce publicado pela Soffici, Rousseau descreve seu fascínio pela "pintura de gente simples": letreiros, ex-votos, enfeites para barracas.

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Torre Eiffel (1898) - The Museum of Fine Arts, Houston

I soggetti di questa opera sono la Senna in primo piano e la Torre Eiffel nella parte posteriore. Tra la Torre Eiffel e la Senna si trova un ponte e dietro di esso ci sono alcuni edifici di Parigi. Lo sfondo presenta un cielo nuvoloso bianco con una punta di arancione per segnalare un'alba o un tramonto. A sinistra e a destra ci sono alcuni alberi, edifici e persone che pescano nella Senna. Ci sono, tuttavia, alcune imprecisioni dallo scenario attuale della Torre Eiffel. Ad esempio, il dipinto non raffigura la piramide e la forma esponenziale della Torre Eiffel. Anche la base della torre Eiffel sembra essere nascosta dagli edifici.

Torre Eiffel (1898) - Museu de Belas Artes de Houston

Os temas desta obra são o rio Sena em primeiro plano e a Torre Eiffel ao fundo. Entre a Torre Eiffel e o Sena há uma ponte e atrás dela alguns prédios de Paris. O fundo apresenta um céu nublado branco com um toque de laranja para sinalizar um nascer ou pôr do sol. À esquerda e à direita estão algumas árvores, prédios e pessoas pescando no Sena. Existem, no entanto, algumas imprecisões na forma real da Torre Eiffel. Por exemplo, a pintura não retrata a pirâmide e a sua forma tipica. A base da torre também parece estar escondida pelos edifícios.

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Zingara addormentata (1897) - Museum of Modern Art, New York

Per realizzare il dipinto Rousseau trovò ispirazione nello zoo e nel Giardino botanico di Parigi dove si recava per studiare dal vivo piante e animali. Viene raffigurata la figura di una zingara dalla pelle scurissima, vestita con un abito lungo e colorato, che dorme serena in una terra desertica impugnando un bastone. Accanto a lei si trovano il suo strumento musicale, il mandolino, e un vaso di terracotta, mentre dietro la sua figura si scorge un leone che sembra stia vegliando su di lei. La scena è immersa nella luce misteriosa di una luna piena. È un'opera difficile da interpretare specialmente per l'associazione tra il leone e la zingara. Per alcuni la zingara riesce ad ammaliare il leone con i suoi poteri magici; per altri invece la zingara rappresenta l'artista.

Cigana adormecida (1897) - Museu de Arte Moderna, Nova York

Para realizar a pintura, Rousseau se inspirou no zoológico e no jardim botânico de Paris, onde ia estudar plantas e animais vivos. É retratada a figura de uma cigana de pele muito escura, vestida com um vestido longo e colorido, que dorme pacificamente em uma terra desértica segurando uma bengala. Ao lado dela estão seu instrumento musical, o bandolim, e um vaso de terracota, enquanto atrás de sua figura vemos um leão que parece zelar por ela. A cena é banhada pela misteriosa luz de uma lua cheia. É uma obra difícil de interpretar especialmente devido à associação entre o leão e a cigana. Para alguns, a cigana consegue encantar o leão com seus poderes mágicos; para outros, a cigana representa o artista.

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L'enfant aux rochers (Bambino sulle rocce) (1897) - National Gallery of Art, Washington

Motivo della fantasia o della realtà, i bambini dipinti di Rousseau hanno un'aura di mistero indecifrabile; severi negli sguardi, sgraziati nei corpi come nani che la natura ha condannato a vivere la razionalità dell'adulto in una dimensione fisica da bambino. E come ibridi tra il grande e il piccolo li presenta Rousseau...rispecchiando anche una condizione psicologica che era tutta sua: quella di un vecchio-fanciullo, con la consapevolezza che l'ingenuità pittorica fosse un rispecchiamento di esperienze della vita, sedimentate in un inconscio loquace solo attraverso pennello e tela, e di una percezione della forma vergine e incorrotta al pari della visione infantile. Il dipinto è un ritratto ottenuto da una fotografia del solo viso del modello, forse un bambino defunto, come suggerisce il vestito nero: Rousseau ha iniziato qui l'impostazione della tela, adattando allo spazio rimanente il resto della composizione non più coerente con la dimensione della testa.

L'enfant aux rochers (Menino sobre rochedos) (1890) - National Gallery of Art, Washington

Motivo de fantasia ou realidade, as crianças pintadas de Rousseau têm uma aura de mistério indecifrável; severos na aparência, desajeitados em corpos como anões que a natureza condenou a viver a racionalidade do adulto na dimensão física de uma criança. E como híbridos entre o grande e o pequeno, Rousseau os apresenta... espelhando também uma condição psicológica que era toda sua: a de um velho-criança, com a consciência de que a ingenuidade pictórica era um reflexo das experiências de sua vida, sedimentadas em um inconsciente loquaz apenas através do pincel e da tela, e uma percepção da forma virgem e incorrupta como a visão infantil. A pintura é um retrato obtido a partir de uma fotografia somente do rosto do modelo, talvez uma criança falecida, como sugere o vestido preto: Rousseau começou aqui a configuração da tela, adaptando o resto da composição ao espaço restante, não mais consistente com o tamanho da cabeça.

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Ritratto de Léon-Paul Fargue (1896) - Detroit Institute of Arts

Poeta e saggista francese noto per alcune famose opere letterarie che al momento del dipinto, aveva circa 20 anni. Ha una faccia un po' tozza con baffi folti e un pizzetto che si estende oltre il mento e i capelli ben curati. Dall'aspetto del ritratto, si può immediatamente dire che il gentiluomo è un membro di una famiglia benestante o un lavoratore ben pagato. Lo stile è primitivista e fornisce un'idealizzazione estetica che aspira a creare un'esperienza realistica e naturale, mostrando che la gente comune era più civile di quanto non lo fossero i nobili della società. Tuttavia, Henri ha preso in prestito pesantemente dal post-impressionismo. Questa era una forma d'arte in cui il pittore si sforzava di utilizzare colori e luce realistici per rappresentare oggetti simili alla vita reale, anche se era libero di modificare alcuni colori e elementi dell'immagine per creare l'effetto desiderato.

Retrato de Léon-Paul Fargue (1896) - Detroit Institute of Arts

Poeta e ensaísta francês conhecido por algumas obras literárias famosas que na época da pintura tinha cerca de 20 anos. Tem um rosto um pouco achatado com um bigode grosso e um cavanhaque que se estende além do queixo e o cabelo bem penteado. Pela aparência do retrato, pode-se dizer imediatamente que o cavalheiro é membro de uma família rica ou um trabalhador bem pago. O estilo é primitivista e proporciona uma idealização estética que aspira a criar uma experiência realista e natural, mostrando que as pessoas comuns eram mais civis do que os nobres da sociedade. No entanto, Henri emprestou muito do pós-impressionismo. Esta era uma forma de arte em que o pintor se esforçava para usar cores e luzes realistas para representar objetos semelhantes à vida real, embora ele era livre para modificar certas cores e elementos da imagem para criar o efeito desejado.

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Le Moulin d'Alfort (1895) Pola Museum of Art, Hakone, Giappone

Si vede una fattoria vicino alle rive di un fiume. Gli edifici sono circondati da una fitta vegetazione e un canale scorre dal fiume alla fattoria. Ci sono anche barche sul fiume e due edifici galleggianti. Gli edifici e il fiume sono posti al centro del dipinto e la vegetazione occupa la parte più ampia. Si può anche vedere la scritta "MOULIN D'ALFORT" sul muro di uno degli edifici. L'unico segno di vita è una persona su una barca, ma la sua immagine non è chiara. Poiché Rousseau era un autodidatta, la sua arte non rientrava in nessuna categoria, ed era considerata quindi primitiva. Inoltre, le sue opere mancavano di proporzioni corrette e amava usare colori nitidi e innaturali. Tutte queste caratteristiche hanno dato al suo lavoro un senso di eccentricità e mistero. Rousseau aveva un approccio individualizzato alla pittura, che prevedeva un'attenta miscelazione delle pennellate per produrre una superficie liscia. Le pennellate controllate facevano apparire delineati anche gli oggetti. Il suo lavoro è paragonabile al Surrealismo per la sua forte dipendenza dalla postura rigida e dalla prospettiva appiattita.

Le Moulin d'Alfort (1895) Museu de Arte Pola, Hakone, Japão

Um moinho é visto perto das margens de um rio. As construções são cercadas por vegetação densa e um canal vai do rio até o moinho. Há também barcos no rio e duas estruturas flutuantes. Os edifícios e o rio são colocados no centro da pintura e a vegetação ocupa a maior parte. É visível a inscrição "MOULIN D'ALFORT" na parede de um dos edifícios. O único sinal de vida é uma pessoa em um barco, mas sua imagem não é clara. Como Rousseau era autodidata, sua arte não se enquadrava em nenhuma categoria e, portanto, era considerada primitiva. Além disso, suas obras careciam de proporções corretas e ele adorava usar cores nítidas e inaturais. Todas essas características deram ao seu trabalho uma sensação de excentricidade e mistério. Rousseau tinha uma abordagem individualizada à pintura, que envolvia uma cuidadosa mistura de pinceladas para produzir uma superfície lisa. As pinceladas controladas também faziam os objetos aparecerem contornados. Seu trabalho é comparável ao surrealismo por sua forte dependência de postura rígida e perspectiva achatada.

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Portrait de femme (Ritratto di donna) (1895) - Musée National Picasso, Parigi

Chi è la donna? Il suo atteggiamento non dice molto ma indica una derivazione dalle foto-ritratto che si scattavano in pose convenzionali, da seduti o in piedi, con lo sguardo rivolto altrove. Il ramo rovesciato che solo in apparenza funge da appoggio, il fiore tenuto tra l'indice e il medio della mano destra e lo sfondo roccioso rappresentano le fortificazioni parigine. Il mistero aleggia intorno alla figura. La modella potrebbe essere l'amante polacca di Rousseau, Yadwigha, musa ispiratrice per "Il sogno". Il dipinto fu la prima opera di Rousseau che Picasso possedette e fu l'icona per la quale venne organizzato dal pittore spagnolo un famoso banchetto dove l'arrivo del Doganiere (ospite d'onore), fece correre un fremito di emozione tra gli invitati: quando si guardò attorno, i lampioncini cinesi con la loro luce fioca lo affascinarono e il suo vecchio volto si ruppe in un sorriso.

Portrait de femme (Retrato de mulher) (1895) - Musée National Picasso, Paris

Quem é a mulher? A sua atitude não diz muito, mas indica uma derivação dos retratos que eram feitos em poses convencionais, sentados ou em pé, com o olhar direcionada para outro lugar. O galho invertido que apenas aparentemente serve de suporte, a flor entre os dedos indicador e médio da mão direita e o fundo rochoso representam as fortificações parisienses. O mistério paira em torno da figura. A modelo poderia ser a amante polonesa de Rousseau, Yadwigha, a musa inspiradora de "O Sonho". A pintura foi a primeira obra de Rousseau que Picasso possuiu e foi o ícone para o qual um famoso banquete foi organizado pelo pintor espanhol, onde a chegada do "Douanier" (convidado de honra), fez com que uma emoção corresse entre os convidados: quando olhou em volta, as lanternas chinesas com sua luz fraca o fascinaram e seu velho rosto abriu-se em um sorriso.

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La guerra (1894) - Musée d’Orsay, Parigi

Un cavallo nero, selvaggio e col pelo irto, porta su di sé una donna armata, brutta e selvaggia: ciò significa che la guerra porta primitività. Il cavallo rappresenta la forza bruta della guerra. Nella parte inferiore del dipinto sono rappresentati gli effetti della guerra, con cadaveri umani e corvi che se ne cibano. Gli alberi spogli ed i rami spezzati creano un panorama di desolazione ed alludono alla morte anche se l'uso del colore rosa per le nuvole e l'azzurro sgargiante del cielo non ci permettono di percepire la drammaticità dell'evento. La composizione è piramidale; alla base ci sono i cadaveri, mentre la donna è sul vertice.

A guerra (1894) - Musée d'Orsay, Paris

Um cavalo preto, selvagem e de pelos eriçados, carrega na garupa uma mulher armada, feia e selvagem: isso significa que a guerra traz primitivismo. O cavalo representa a força bruta da guerra. Na parte inferior da pintura estão representados os efeitos da guerra, com cadáveres humanos e corvos se alimentando dela. As árvores nuas e os galhos quebrados criam um panorama de desolação e aludem à morte mesmo que o uso do rosa para as nuvens e o azul brilhante do céu não nos permitam perceber o drama do acontecimento. A composição é piramidal; na base estão os cadáveres, enquanto a mulher está no topo.

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Gli Artiglieri (1893–95) - Solomon R. Guggenheim Museum, New York

È stata l'amicizia di Rousseau con diversi maestri affermati a garantire il suo posto nella storia dell'arte moderna. Durante la sua vita il Doganiere divenne una sorta di sensazione all'interno della scena artistica parigina relativamente piccola e le sue opere erano celebrate da artisti come Pablo Picasso e Vasily Kandinsky. Nella misura in cui ha avuto un limitato successo ufficiale durante la sua vita, si può dire che Rousseau abbia inventato se stesso - faceva irruzione non invitato a mostre e cene, assumendo la postura di un ospite d'onore - proprio come ha inventato immagini diverse da qualsiasi cosa fosse intorno a lui. Tele come Gli Artiglieri sono state interpretate come bizzarri tentativi di Rousseau di rappresentare i tempi moderni. È merito suo che non abbiamo ancora parole adeguate per descrivere un dipinto in cui 14 identici baffi a manubrio riescono a fornire un'immagine vivace di una batteria di artiglieria.

Os Artilheiros (1893-95) - Solomon R. Guggenheim Museum, Nova York

Foi a amizade de Rousseau com diversos mestres consagrados que garantiu seu lugar na história da arte moderna. Durante sua vida, o Oficial da alfândega tornou-se uma sensação no cenário artístico parisiense relativamente pequeno e suas obras foram celebradas por artistas como Pablo Picasso e Vasily Kandinsky. Na medida em que teve um limitado sucesso oficial ao longo da sua vida, pode-se dizer que Rousseau se inventou - frequentava sem ser convidado exposições e jantares, assumindo a postura de convidado de honra - assim como criava imagens diferentes de tudo que estava ao seu redor. Telas como Os Artilheiros foram interpretadas como tentativas bizarras de Rousseau de representar os tempos modernos. É graças a ele que ainda não temos palavras adequadas para descrever uma pintura em que 14 bigodes idênticos conseguem fornecer uma imagem viva de um grupo de artilharia.

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La Carmagnole (Le Centenaire de l'Indépendance) (1892) - Getty Museum, Los Angeles

Rousseau festeggia cosi il centesimo anniversario della proclamazione della prima Repubblica francese nel 1792. I contadini ballano la Farandola, una danza popolare della Francia meridionale mentre cantano la Carmagnola, un canto di autore anonimo composto nel 1792 cui testo irride Luigi XVI e Maria Antonietta. Attorno a tre alberi della libertà (Liberté, Égalité, Fraternité) due figure femminili con bandiere rappresentano la Prima e la Terza Repubblica. Rousseau copiò i ballerini da un'illustrazione di una rivista francese ma aggiunse striscioni sventolanti, i pali della libertà e le figure allegoriche. Un carro sullo sfondo è pieno di musicisti in costume, che ricordano le sfilate che l'artista aveva visto. Ha usato colori brillanti e forme solide per esprimere la felicità della scena che simboleggia il buon governo. A destra, la postura eretta dei dignitosi capi repubblicani segnala la solidità della Repubblica francese.

La Carmagnole (O Centenário da Independência) (1892) - Museu Getty, Los Angeles

Rousseau celebra assim o 100º aniversário da proclamação da 1º República Francesa em 1792. Os camponeses dançam a Farandola, uma dança folclórica do sul da França enquanto cantam a Carmagnola, canção de um autor anônimo composta em 1792 cujo texto zomba de Luís XVI e Maria Antonieta. Em torno de três árvores da liberdade (Liberté, Égalité, Fraternité), duas figuras femininas com bandeiras representam a 1º e a 3º República. Rousseau copiou os dançarinos de uma ilustração de uma revista francesa, mas acrescentou faixas ondulantes, mastros da liberdade e figuras alegóricas. Uma carroça ao fundo está cheia de músicos fantasiados, uma reminiscência dos desfiles que o artista havia visto. Ele usou cores vivas e formas sólidas para expressar a felicidade da cena, que simboliza a boa governança. À direita, a postura ereta dos dignos líderes republicanos sinaliza a solidez da República Francesa.

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Sorpresa! (1891) - National Gallery, Londra

È il primo dipinto a soggetto esotico che rese popolare il Doganiere. La scena mostra una tigre che, durante una tempesta tropicale nella giungla, sta per balzare addosso a una preda. Non è dato sapere cosa fissi la tigre e su cosa sembra essa stia per balzare. L'intento del pittore è mostrare il pericoloso animale indomito, in un inquietante ambiente naturale. L'intera superficie del dipinto è solcata da striscioline di vernice semitrasparente grigio-bianca, che rappresentano la pioggia mentre i fulmini solcano il cielo. Rousseau si ispirò ad animali imbalsamati nei musei, a stampe, a illustrazioni scientifiche, e a visite nei giardini botanici. Per la tigre utilizzò come modello la riproduzione di un disegno a pastello di Eugène Delacroix e un gatto domestico. Le piante della giungla furono realizzate prendendo come spunto esemplari visti in vaso.

Surpresa! (1891) - National Gallery, Londres

É a primeira pintura com tema exótico que popularizou o Despachante Aduaneiro. A cena mostra um tigre que, durante uma tempestade tropical na selva, está prestes a atacar uma presa. Não se sabe o que o tigre está olhando e sobre o que parece que está prestes a saltar. A intenção do pintor é mostrar o perigoso animal selvagem, em um ambiente natural perturbador. Toda a superfície da pintura é sulcada com riscos de tinta branco-acinzentada semitransparente representando a chuva enquanto os raios atravessam o céu. Rousseau se inspirou em bichos empalhados em museus, gravuras, ilustrações científicas e visitas a jardins botânicos. Para o tigre, ele usou como modelo a reprodução de um desenho a pastel de Eugène Delacroix e um gato doméstico. As plantas da selva foram criadas usando como ponto de partida espécimes vistos em vasos.

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L'Octroi (Il Casello Daziario) (1890) - The Courtauld Institute and Art Gallery, London

In questo paesaggio si nota un tentativo ben riuscito nella prospettiva e soprattutto la ricchezza dei colori utilizzati dall'artista, che servono a esaltare la luminosità. La struttura della composizione - prospettiva e forme - è realizzata utilizzando esclusivamente il colore, forte nei primi piani e decrescente sullo sfondo. La domanda che resta nell'aria: sarebbe questa l'entrata degli uffici doganali dove lavorava Rousseau?

L'Octroi (A cabine de pedágio) (1890) - The Courtauld Institute and Art Gallery, Londres

Nota-se nesta paisagem uma tentativa bem-sucedida na perspectiva e sobretudo na riqueza das cores utilizadas pelo artista, que servem para realçar a luminosidade. A estrutura da composição - perspectiva e formas - é criada usando apenas cores, fortes nos primeiros planos e decrescentes no fundo. A questão que fica no ar: seria esta a entrada da alfândega onde trabalhava Rousseau?

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Io, ritratto-paesaggio (1890) - Národní galerie, Praga

Si tratta di un autoritratto dove l'autore si pone in primo piano a figura intera, con lo sfondo del lungosenna che sintetizza la modernità di Parigi alla fine del XIX secolo: a sinistra si nota appena la Tour Eiffel, l'elemento centrale è un ponte di metallo ed in cielo c'è una mongolfiera. La caratteristica violazione da prospettiva e delle proporzioni, i colori naturali, mettono in risalto il soggetto autoritratto, elegantemente vestito di nero mentre cammina tenendo in mano i simboli della sua arte: il pennello e la tavolozza.

Eu, retrato-paisagem (1890) - Národní galerie, Praga

É um auto-retrato onde o autor se coloca em primeiro plano em figura plena, com ao fundo o rio Sena que sintetiza a modernidade de Paris no final do século XIX: à esquerda mal se nota a Torre Eiffel, o elemento central é uma ponte metálica e no céu voa um balão de ar quente. A característica violação da perspectiva e das proporções; as cores naturais, destacam o sujeito auto-retratado, vestido elegantemente de preto enquanto caminha segurando os símbolos de sua arte: o pincel e a paleta.

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Veduta di Billancourt e Bas Meudon, effetto nebbia (1890) - collezione privata

I primi paesaggi di Rousseau erano campestri e rurali, con un'atmosfera atemporale, che rappresentavano luoghi che lui conosceva bene, come le rive dell'Oise o della Senna, come in questa Veduta di Billancourt e Bas Meudon, effetto nebbia. Con il passare del tempo, i suoi motivi diventano più urbani e includono dettagli relativi al progresso tecnico del suo tempo: dirigibili, pali del telegrafo, ponti metallici e la Torre Eiffel. Questi paesaggi, tuttavia, rimangono in un tono ingenuo. Rousseau, infatti, non mostra alcuna nozione di conoscenza della prospettiva.

Vista de Billancourt e Bas Meudon, efeito de névoa (1890) - coleção particular

As primeiras paisagens de Rousseau eram campestres e rurais, com uma atmosfera atemporal, representando lugares que ele conhecia bem, como as margens dos rios Oise ou o Sena, como nesta Vista de Billancourt e Bas Meudon, efeito de nevoeiro. Com o passar do tempo, seus motivos se tornam mais urbanos e incluem detalhes relativos ao progresso técnico de sua época: aeronaves, postes telegráficos, pontes metálicas e a Torre Eiffel. Essas paisagens, no entanto, permanecem em um tom ingênuo. Na verdade, Rousseau não mostra nenhuma noção de conhecimento da perspectiva.

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Al margine della foresta (1886) - Kunsthaus Zürich, Zurigo

Uno dei primi dipinti in cui Rousseau dipinse la figura e il paesaggio forestale allo stesso modo e in modo unitario, creando così uno stato d'animo caratteristico della sua arte, influenzata dal Surrealismo. Una donna con un abito di velluto rosso alla moda si trova ai bordi di una foresta. Ma quanto è imprudente? Porta il ​​parasole, ma dov'è il cappello? E i guanti? Quanto si sarà avventurata lontano da casa per arrivare a questo sentiero nel bosco? Dovrebbe sapere che i dipinti molto strani di Rousseau sono pieni di bestie selvagge. Una tigre potrebbe incrociare il suo sentiero in qualsiasi momento. Forse il gesto - la mano alzata, lo sguardo all'indietro - segnala che, tutto d'un tratto, si ha reso conto dalla sua folle idea e inizia a immaginare vividamente la calamità che segnerebbe una spiacevole conclusione all'incantevole passeggiata tra gli alberi.

Na beirada da floresta (1886) - Kunsthaus Zürich, Zurique

Uma das primeiras pinturas em que Rousseau pintou a figura e a paisagem da floresta de forma igual e unificada, criando assim um clima característico de sua arte, influenciada pelo surrealismo. Uma mulher com um vestido de veludo vermelho da moda está à beira de uma floresta. Mas quão imprudente ela é? Leva um guarda-sol, mas onde está o chapéu? E as luvas? A que distância de casa ela está para ter chegado a essa trilha na floresta? Ele deveria saber que as pinturas muito estranhas de Rousseau estão cheias de feras. Um tigre poderia cruzar o seu caminho a qualquer momento. Talvez o gesto - a mão levantada, o olhar para trás - sinaliza que, de repente, ela percebeu a sua ideia maluca e começa a imaginar vividamente a calamidade que marcaria uma conclusão desagradável para um passeio encantador entre as árvores.

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Sera di Carnevale (1886) - Philadelphia Museum of Art

Un'aria di mistero pervade questo paesaggio forestale invernale. Vestita con festosi costumi di carnevale, una coppia solitaria si trova di fronte a alberi spogli. Le figure sembrano risplendere dall'interno piuttosto che dalla luce della luna, che stranamente ha lasciato la foresta nell'oscurità. Un volto inspiegabile sorge dalla capanna vuota accanto alle figure, mentre un lampione inaspettato si accende incongruamente li vicino. Conosciuto per le sue scene fantastiche, Rousseau era un artista autodidatta le cui opere piacevano ai collezionisti e agli artisti d'avanguardia del primo Novecento, tra cui Pablo Picasso.

Noite de Carnaval (1886) - Museu de Arte da Filadélfia

Um ar de mistério permeia esta paisagem florestal de inverno. Vestidos com fantasias de carnaval, um casal solitário está diante de árvores sem folhas. As figuras parecem brilhar de dentro em vez da luz da lua, que estranhamente deixou a floresta na escuridão. Um rosto inexplicável surge da cabana vazia ao lado das figuras, enquanto um poste de luz inesperado se acende incongruentemente nas proximidades. Conhecido por suas cenas fantásticas, Rousseau foi um artista autodidata cujas obras eram apreciadas por colecionadores e artistas de vanguarda do início do século XX, incluindo Pablo Picasso.

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Paysage d'Alger (1880) - Collezione privata

Henri Rousseau, nato il 21 maggio 1844, non ha mai dimostrato particolare passione per gli studi, così a sedici anni abbandonò il liceo. Nel 1863 venne assunto come segretario da una avvocato a cui rubò dieci franchi e alcuni francobolli. In seguito a questo avvenimento i genitori, indignati e umiliati dal figlio, lo obbligarono ad arruolarsi come volontario nell’esercito. Nel 1871 iniziò a lavorare come esattore delle tasse nel dipartimento delle finanze del comune di Parigi, dove maturò il suo desiderio di diventare pittore. Questo è il motivo del suo soprannome: il "Doganiere". Le sue prime opere sono totalmente autodidattiche, come questo Paysage d'Alger, dove rappresenta una scena in Algeria con dromedari e beduini, basandosi soltanto a racconti ascoltati da amici e compagni militari.

Paysage d'Alger (1880) - Coleção particular

Henri Rousseau, nascido em 21 de maio de 1844, nunca demonstrou um particular interesse pelos estudos, tanto que abandonou o ensino médio aos dezesseis anos. Em 1863 foi contratado como secretário de um advogado a quem roubou dez francos e alguns selos postais. Após este acontecimento, os pais, indignados e humilhados pelo filho, obrigaram-no a alistar-se como voluntário no exército. Em 1871 se empregou como coletor de impostos na repartição de finanças do municipio de Paris, onde amadureceu seu desejo de se tornar pintor. Este é o motivo do seu apelido: o "Oficial da Alfândega". Seus primeiros trabalhos são totalmente autodidatas, como este Paysage d'Alger, onde retrata uma cena na Argélia com dromedários e beduínos, baseada apenas em histórias ouvidas de amigos e camaradas militares.

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